AU Agenda

La cova de Lascaux
2025-10-23 10:00 - 2026-03-29 20:00 (Europe/Madrid) | Museu de Prehistòria, Calle Corona, 36, Valencia, Valencia, 46003, España
Fa aproximadament 21 000 anys, Homo sapiens pintà i gravà les parets d’una xicoteta cova de la Dordonya, en el sud-oest de França, amb centenars de figures d’animals i signes. Passaren els segles i els mil·lennis fins que, un dia de setembre de 1940, quatre jóvens descobriren per atzar un forat en el bosc i decidiren explorar-lo. Acabaven de descobrir un dels testimonis més espectaculars de l’art rupestre del Paleolític.
La cova de Lascaux, inscrita en la Llista del Patrimoni Mundial de la UNESCO des de 1979, és un jaciment prehistòric fonamental per a la història de l’art i de la humanitat. La seua fama es deu a les seues pintures i gravats d’una bellesa excepcional, a la seua història singular, a les seues reproduccions i als esforços ingents per a garantir-ne la preservació.
El Museu de Prehistòria vos dona la benvinguda a esta exposició internacional que s’exhibix per primera vegada a Espanya després d’haver viatjat per més de 18 ciutats d’arreu del món.
Esta exposició ha sigut creada pel Consell Departamental de la Dordonya, amb el suport del Consell Regional de Nova Aquitània, del Ministeri de Cultura i del Govern de França. La gira mundial està organitzada per SPL Lacaux, L’exposition Internationale.

Caleb
2025-11-20 10:00 - 2026-03-22 20:00 | Fundación Bancaja, Plaça de Tetuán, 23, Valencia
La exposición Caleb de Cristina Babiloni revela las inquietudes creativas de la artista castellonense en torno a la relación entre el hombre y la naturaleza, así como entre la materia, la luz, el color y las texturas, que son elementos esenciales en sus obras. La muestra está integrada por una treintena de obras de mediano y gran formato, gran parte de ellas realizadas exprofeso para su presentación al público en esta exposición en un recorrido que incluye pintura, escultura e instalación. Las formas y colores de la naturaleza inspiran el trabajo presentado en Caleb, que plantea una reflexión sobre la interacción del ser humano y su entorno, así como sobre el fluir de la naturaleza. La exposición revela la mirada de Cristina Babiloni sobre el mundo natural, especialmente los océanos y el fondo marino, que han influenciado su trabajo en los últimos años. A partir de sus materiales de referencia como telas de arpillera, arenas y pintura acrílica, cartones, cerámicas, y experimentando con otros nuevos como el metacrilato en algunas piezas,Babiloni consigue desarrollar un ecosistema marino con su propio imaginario, teniendo siempre las formas orgánicas como inspiración constante en su trabajo.
En esta muestra, además, se incorporan las últimas piezas de la artista, centradas en la contemplación de tierras, volcanes y materias terrestres que generan nuevas formas y paisajes. El recorrido por la sala permite establecer una conexión entre diferentes ideas: el uso múltiple de materiales naturales (tierra, arena, pigmentos, minerales, cera, óxidos, sal, cenizas…) que conectan con el entorno y el territorio; la relación entre cuerpo y gesto, con materia que no solo se aplica, sino que se manipula con el cuerpo; y la temporalidad con las superficies rugosas y erosionadas que evocan procesos geológicos o marinos como la sedimentación o la erosión. La obra de Cristina Babiloni, cuyos referentes artísticos se asientan en la luminosidad de William Turner y la complejidad de Anselm Kiefer, se caracteriza por la superposición de materias con las que intercala su producción pictórica con la creación de esculturas, con la inspiración orgánica y biológica que le propone la contemplación de la naturaleza en constante transformación.

Música i matemàtiques. Un viatge sonor del caos al cosmos
2025-12-11 10:00 - 2026-08-23 20:00 | CaixaForum, Professor López Piñero, 7, Valencia, Valencia, 46023, España
La música és sentiment i emoció, però darrere de les sensacions que provoca en nosaltres s’hi amaga la racionalitat de les matemàtiques. Aquesta és la idea central de Música i matemàtiques. Un viatge sonor del caos al cosmos, mostra que recorre la història dels sons des del big-bang fins als nostres dies. L’exposició es val d’un caràcter eminentment interactiu per aconseguir que els visitants entenguin els vincles que uneixen ambdues disciplines mentre visualitzen les ones generades per la vibració d’una corda, imiten el timbre de diferents instruments o juguen amb notes, ritmes i timbres per generar un so harmònic.

Entre lo profundo y lo distante
2025-12-11 10:00 - 2026-04-12 20:00 | IVAM, / de Guillem de Castro, 118, València, Valencia, 46003, España
Un proyecto concebido específicamente para la Galería 6 del IVAM por Andrea Canepa (Lima, 1980) en el que la artista propone una colorista instalación experiencial e inmersiva que ocupa las dos plantas, conectadas mediante una intervención que atraviesa la escalera, en la que reflexiona sobre la percepción del tiempo. Los visitantes que accedan a la sala encontrarán estructuras geométricas, piezas modulares, grandes volúmenes de colores y formas reminiscentes de juguetes tipo mecano. La instalación se ha realizado utilizando materiales diversos, como telas, hilo, azulejos, maderas, tierra e, incluso, cristal.
La planta inferior recrea el universo de lo que está en lo profundo de las cosas: como si se tratase de una caverna, un inframundo o un útero materno. “Todo está organizado en capas: los sedimentos del suelo están en las paredes, hay esculturas que remiten a los anillos de los árboles que envuelven todo el espacio de la galería y el visitante se puede mover entre ellas”, ha detallado Andrea Canepa sobre esta primera planta con luces bajas que insisten en la sensación de interioridad.
En la planta superior, una línea metálica recorre el perímetro de la sala como un horizonte y se interrumpe con esculturas que alteran su curso. La instalación dialoga con el sistema de ceques del mundo andino precolombino. “Se trata de una red de líneas sagradas que partían del centro de la ciudad hacia el horizonte, conectando huacas —lugares sagrados— y trazando una correspondencia entre espacio y tiempo. Cada huaca marcaba momentos del calendario inca”, recordó la artista.

Naixen oliveres a Gaza
2025-12-11 10:00 - 2026-03-22 20:00 | La Nau, Universitat, 2, Valencia, Valencia, 46002, España
Un projecte col·lectiu comissariat per l’artista valencià ESCIF i Teresa Juan que reuneix alguns dels noms més destacats de l’art contemporani internacional per reflexionar, des de la creació artística, sobre la resistència i la dignitat del poble palestí. La mostra s’emmarca en el compromís institucional de la UV amb la defensa dels drets humans i amb la visibilització de la situació que travessa Gaza, i proposa un recorregut que s’articula al voltant d’un símbol universal: l’olivera que continua brotant fins i tot enmig de la devastació.
L’exposició presenta més de vint obres de quinze artistes, entre instal·lacions, fotografia, pintura, vídeo, muralisme i peces de caràcter col·laboratiu. Participen, entre altres, Banksy (Regne Unit), Shepard Fairey (Estats Units), Emily Jacir (Palestina), Lamia Ziadé (Líban/França), Blu (Itàlia), Aruallan (França), Wilfredo Prieto (Cuba), Sam3 (Espanya), Daniel Muñoz (Espanya) i els valencians Fermín Jiménez Landa, David Segarra i el mateix ESCIF, juntament amb els fotoperiodistes palestins Majdi Fathi, Saher Alghorra i Haitham Imad, a més de les aportacions de la Comunitat Palestina de València, BDS País Valencià i el Centre Delàs d’Estudis per la Pau.
Entre les peces més significatives destaca la instal·lació audiovisual creada expressament per a la mostra per l’artista italià Blu, figura clau en la història recent del muralisme. L’artista libanesa Lamia Ziadé ha pintat in situ un mural realitzat inicialment el 2016 en el mur entre Líban i Israel (al costat libanés, al poble de Kfar Kila). La sala també acull una gran tela impresa d’Emily Jacir, de tres metres per tres, cedida per la galeria Simondi i exposada anteriorment a la Biennal de Venècia. Una de les intervencions més cridaneres és la instal·lació temporal a la façana nord de l’edifici (Plaça del Patriarca) de la il·lustració monumental Can you hear us?, de Shepard Fairey -huit metres per cinc i mig-, difosa en el marc de la campanya internacional Unmute Gaza. El mateix ESCIF, juntament amb Banksy, presenta a la sala una escultura de fibra de vidre que representa una destral del mànec de la qual brolla una flor, un gest que sintetitza la idea de resistència a través de la bellesa.
El recorregut s’amplia al claustre de La Nau, on la Comunitat Palestina de València ha treballat juntament amb ESCIF en la creació de panells pintats que visibilitzen la seua veu en primera persona i de manera col·lectiva. L’exposició inclou, a més, un conjunt de reproduccions de fotografies d’Aruallan / Hans Lucas Agency realitzades a Cisjordània i textos d’organitzacions col·laboradores que el públic podrà endur-se lliurement, amb la voluntat que les imatges i els relats continuen circulant més enllà de la sala.

Manuel Benedito. El pintor y los modelos
2025-12-12 10:00 - 2026-03-29 20:00 | Museu de la Ciutat, l'Arquebisbe, 3, Valencia, Valencia, 46003, España
El Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana (CMCV) y el Ayuntamiento de València rinden homenaje al pintor valenciano Manuel Benedito en el 150 aniversario de su nacimiento, con una muestra en el Museo de la Ciudad que reúne algunos de sus mejores cuadros y que evidencia la complejidad de su pintura, mostrando sus procesos de creación y la vitalidad de sus retratos.
El Consorcio de Museos, que ya realizó en 2005 una exposición antológica del pintor, propone ahora un recorrido por sus obras a través de una serie de cuadros importantes de su producción, de distintos temas, y, junto a ellos, los bocetos y estudios preparatorios, que permiten conocer las distintas fases de su proceso creativo hasta el resultado final. La exposición se centra en los encargos de retrato, en las composiciones que conllevaban un proceso más complejo y en la aproximación del pintor a determinados temas y tipos populares.
Destacan entre las obras de autorretrato con ‘La vuelta del trabajo’ (1905) que se exhibe por primera vez, tras su adquisición por el Museo del Prado en 2024 y que perteneció a una colección particular desde su creación. Asimismo, se exhibe la parte superior del gran díptico ‘Canto VII de la Divina Comedia’. ‘El Infierno de Dante’, que sale por primera vez de la Fundación Manuel Benedito y que se encontraba en el estudio del pintor.

Fang. Memòria. Art
2025-12-31 10:00 - 2026-03-29 19:00 | M. Artista Faller, Sant Josep Artesà, 17
Vine al Museu de l’Artista Faller! El nostre Museu t’ofereix d’ací a març fins a tres exposicions. En Fang. Memòria. Art cinquanta artistes agremiats i agremiades posen el seu art al servei del record i la solidaritat pels pobles i veïns afectats per la DANA del 29 d’octubre de 2024.
Horari: dilluns a divendres de 10 a 14 hores i de 16 a 19 hores; dissabte, diumenge i festius de 10 a 14 hores i de 15 a 19 hores.

Circuito cerrado
2026-01-22 10:00 - 2026-04-05 20:00 | Centre del Carme, Museu, 2, Valencia, Valencia, 46001, España
La presente exposición propone una reflexión en torno a los conceptos de empatía, amor y soledad, a partir de la concepción del sujeto como circuito cerrado. Es decir, como un ser perceptivamente cerrado en sí mismo, productor y, a su vez, receptor de las capas de realidad que su conciencia genera para protegerse frente a la única verdad de la que dispone, la de su propia muerte. Desde esta perspectiva, la imagen del otro es también un constructo, la proyección de la personalidad del propio sujeto modulada por apariencias exteriores y signos de vida: un yo modificado. Así lo formuló en 1903 Theodor Lipps, primer teórico de la Einfühlung (empatía), al entender en su tratado de estética la percepción del otro como una forma de autopercepción.
En este contexto, el entramado de relaciones humanas, articulado mediante pactos y negociaciones lingüísticas, se revela como un dispositivo de supervivencia más, una ilusión de comunicación que enmascara la imposibilidad última de compartir plenamente la experiencia interior, pues, como señaló Georges Bataille, “no se puede, discursivamente, expresar la intimidad”. La sociedad no sería entonces sino una ficción operativa sostenida por el lenguaje, una forma consensuada de organizar la experiencia y de mantener a distancia aquello que desborda toda representación. En este sentido, la soledad no aparece como una excepción, sino como una condición constitutiva de la experiencia individual.
Desde esta premisa, Circuito Cerrado plantea una pregunta esencial: ¿cómo puede el ser humano reconocerse en el otro, tal como entendemos la empatía, y compartir ese sentimiento bajo la promesa del lenguaje?¿Puede el amor traspasar esa barrera de la individualidad y dar lugar a formas de realidad funcional compartida? A través de la práctica del dibujo, el videoarte y el cine, trece artistas de distintas generaciones y contextos transitan en torno a estas cuestiones cuya base filosófica atraviesa la historia del pensamiento, de Oriente a Occidente, hasta nuestros días.

Ana Esteve Reig: El ritual del respawn
2026-01-22 10:00 - 2026-04-05 20:00 | Centre del Carme, Museu, 2, Valencia, Valencia, 46001, España
Ana Esteve Reig presenta El ritual del respawn, una exposición individual compuesta por dos videoinstalaciones que reflexionan sobre la virtualidad y el tiempo que pasamos frente a las pantallas. El título alude al término “respawn”, propio de los videojuegos, que designa el acto de morir y volver a aparecer en el juego, una idea que atraviesa ambas obras como metáfora de la experiencia en los entornos digitales.
La exposición reúne ‘Gamer Dreams’, un vídeo que recorre a través de continuos travellings los espacios físicos donde se desarrollan múltiples historias virtuales, y ‘El ritual del respawn’, una pieza que sitúa al espectador dentro del gameplay mientras un grupo de amigos reflexiona sobre la vida, la muerte y el miedo entre otros temas a partir de sus experiencias jugando a videojuegos. A través del lenguaje audiovisual, la artista aborda relatos personales que se convierten en experiencias compartidas y universales.
Ana Esteve Reig (Agres, 1986) es artista visual y videoartista. Su trabajo investiga la relación entre tecnología, imagen y experiencia contemporánea, con especial interés en la virtualidad, las comunidades digitales y los rituales que emergen en torno a las pantallas.

Una vida entre llibres: la impremta valenciana a través de Serrano Morales
2026-01-22 10:00 - 2026-04-26 20:00 | Palau de Cervelló, Pl. Tetuan, 3, Valencia, Valencia, 46003, España
El Palau de Cervelló ofereix des d’esta vesprada l’exposició “Una vida entre llibres: la impremta valenciana a través de Serrano Morales”, una mostra comissariada per Enrique Fink i que proposa un recorregut per les principals fites de la impremta valenciana a través dels seus protagonistes més destacats i d’una acurada selecció d’obres procedents de la Biblioteca Serrano Morales, formada a partir de la donació del bibliòfil insigne.
Entre les peces exposades, el públic podrà vore en funcionament la rèplica de la impremta de Gutenberg, propietat de l’Associació del Senat del Museu de la Impremta del Puig i actualment en dipòsit al MuVIM, així com una premsa Minerva i un cavallet i que permetran conéixer de manera directa els processos tradicionals d’impressió.
José Enrique Serrano Morales, nascut a Algesires el 1851 i valencià d’adopció, fou l’autor d’un extens Diccionari d’impressors valencians, convertit des de la primera edició en obra de referència imprescindible per a l’estudi de la història de la impremta a la ciutat. De trajectòria intel·lectual reconeguda, Serrano Morales destacà com a erudit i bibliòfil i va reunir una biblioteca extensa que l’any 1908 donà a l’Ajuntament de València i va passar a ser la col·lecció fundacional de la biblioteca que porta el seu nom.
L’exposició es podrà visitar al Palau de Cervelló de dimarts a dissabte, de 10 a 19:00 hores (última visita a les 18:45 h) i diumenges de 10 a 14:00 (última visita a les 13:45).
L’exposició es completa amb un cicle de conferències i amb dos rutes culturals: una per la València de Cervantes i una altra per les impremtes dels segles XIX i XX, guiades respectivament per Begoña Valero el 16 d’abril i per Enrique Fink el 5 de març. Les rutes tindran lloc de 18.00 a 20.00 hores i començaran al Palau de Cervelló. Podeu inscriure-vos en les activitats al telèfon 963 525 478.

El pie del bosque. Lamarche - Ovize
2026-01-31 10:00 - 2026-04-09 20:00 | Luis Adelantado, Bonaire, 6, Valencia, Valencia, 46003, España
Luis Adelantado presenta El pie del bosque, la cuarta exposición individual del dúo Lamarche – Ovize en la galería, cuya práctica se sitúa en un territorio de fricción productiva entre dibujo, cerámica e instalación. Lejos de una jerarquía disciplinar, su trabajo se articula como un sistema de relatos en el que lo material y lo simbólico se entrelazan: formas, figuras y objetos funcionan como nodos narrativos que activan imaginarios compartidos y cuestionan las fronteras entre arte y artesanía, entre lo cotidiano y lo mítico.
El proyecto reúne dibujos, pinturas, serigrafías y piezas escultóricas concebidas como fragmentos de una narración abierta. En ellas, los artistas despliegan un vocabulario formal que combina precisión gráfica y atención a los procesos manuales, subrayando la dimensión temporal del hacer. El dibujo opera como estructura de pensamiento y organización del relato, mientras la cerámica y la escultura introducen el volumen, el peso y la presencia física de las imágenes. La instalación articula así un espacio de lectura en el que el espectador es invitado a recomponer vínculos, ritmos y secuencias. Lo narrativo no aparece como ilustración, sino como método: una forma de pensar a través de las cosas.
El bosque que propone El pie del bosque no es un paisaje naturalista, sino un territorio simbólico y proliferante. Motivos vegetales, animales y formas híbridas se acumulan, se repiten y se transforman, evocando tanto los bestiarios y repertorios decorativos históricos como una sensibilidad contemporánea atenta a las relaciones entre lo vivo, lo ornamental y lo narrativo. Las esculturas —entre lo funcional y lo fantástico, entre el objeto doméstico y la figura imaginaria— refuerzan esta ambigüedad, introduciendo cuerpos que parecen surgir del mismo sustrato gráfico que las obras sobre papel. La muestra propone así una experiencia de observación lenta y atenta, en la que cada obra funciona como punto de apoyo —como “pie”— para un relato mayor. Un proyecto que entiende el dibujo, la cerámica y la escultura no solo como técnicas, sino como modos de relación entre imágenes, materiales y formas de imaginar el mundo.

Alucinaciones. Ana Esteve Reig
2026-01-31 10:00 - 2026-04-09 20:00 | Luis Adelantado, Bonaire, 6, Valencia, Valencia, 46003, España
La Galería Luis Adelantado tiene el placer de presentar la primera exposición individual de Ana Esteve Reig. Alucinaciones es el título elegido por la artista para esta muestra, en la que se alude, por un lado, a las llamadas alucinaciones de la Inteligencia Artificial —sus errores interpretativos, sus desvíos imaginativos— y, por otro, a esos territorios híbridos donde lo virtual, lo simbólico y lo afectivo se confunden: espacios como el cosplay, los metaversos o los videojuegos, lugares que pertenecen a la ficción pero que ya conforman parte esencial de nuestra realidad contemporánea.
La exposición propone un recorrido por la obra de Ana Esteve Reig en torno a las imágenes producidas por la tecnología, los modos actuales de construcción identitaria y la potencia transformadora de lo virtual. Su mirada establece una relación crítica y al mismo tiempo profundamente afectiva con los entornos digitales, entendiéndolos no como un espacio hedonista, sino como laboratorios sociales donde construir nuevas formas de subjetividad: deseos, miedos y mitologías. Su trabajo desestabiliza los regímenes de visibilidad contemporáneos, proponiendo nuevas formas de corporización y agencia en entornos mediados por el vídeo.
A través del lenguaje propio del videoarte —poético, narrativo y conceptual— la artista aborda cuestiones universales como la necesidad humana de proyectarse en imágenes y la forma en que la tecnología condiciona nuestra percepción del mundo. Del mismo modo, su obra dialoga con los feminismos contemporáneos, reactivando figuras y arquetipos invisibilizados, generando interfaces que reconfiguran la experiencia y la imaginación del cuerpo en el universo virtual (Donna Haraway, A Cyborg Manifesto, 1991).

Pepe Beas. Los márgenes de lo real
2026-02-06 10:00 - 2026-04-12 20:00 | Centre del Carme, Museu, 2, Valencia, Valencia, 46001, España
El Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC) presenta la primera exposición retrospectiva en España dedicada al trabajo videográfico del artista castellonense Pepe Beas, pionero del videoarte y cuyos trabajos transitan desde el cine independiente de finales de los 70 hasta la videoinstalación o videoescultura. Conocido artísticamente como pepebeas, su figura ha estado muy ligada al espíritu de artistas como Antoni Muntadas, Antoni Padrós, Grup de Treball, Eugènia Balcells, Antoni Miralda, Francesc Torres, Nam June Paik o Wolf Vostell. Pepe Beas. Los márgenes de lo real, que se podrá ver hasta el 12 de abril en la sala Ferreres del CCCC, recorre la trayectoria del artista a través de nueve grandes instalaciones convertidas en escenografías que envuelven al espectador y lo interpelan acerca de cuestiones como la emigración, la violencia, la identidad o temas filosóficos como el eremitismo o la serialidad infinita de la vida.
Tras sus primeras obras cinematográficas, la exposición ofrece un recorrido más o menos cronológico a través de nueve instalaciones. En el sueño del emigrante (1992) Beas reflexiona sobre la deshumanización y el papel del individuo en un mundo alienante. ‘La videoboda’ o ‘Presente ilustrativo’ (1989) introduce al visitante y lo envuelve en la escena de un banquete nupcial en el que sobre la mesa descubre varios vídeos de bodas reales, típicas de los años 70, para reflexionar sobre la relevancia del género como construcción social. Según Tena en esta instalación se observa la influencia de obras como ‘Texas TV Dinner’ de Antoni Miralda donde se hace evidente la fusión entre alta y baja cultura.
En ‘Los Eremitas’ (2002), ‘Deshielo y mandorla’ (2011 – 2012) y ‘La realidad es serial como algunos asesinos’ (2007/2008) Beas empieza a adentrarse en textos filosóficos. En esta última instalación muestra una cinta transportadora, una cinta sinfín para reflexionar sobre la serialidad infinita de la vida en la que todo se repite, generación tras generación. La pieza ‘El festín de la carne’ (2007) sin embargo, explora la relación entre lo carnal y lo espiritual. Según Tena “Beas transforma el barro en una alegoría sobre el ser humano: venimos del barro y en barro nos convertiremos”.
En ‘Runa Uturunco’ (2015) explica Beas que llegada la ancianidad se inspira en una leyenda indígena argentina para explorar el concepto de poder y de transformación. La exposición se cierra como empieza, reflexionando sobre la identidad, en ‘Laudas funerarias como sábanas tendidas al sol’ (2019) y sobre la emigración en dos vídeos de nueva creación ‘Persona y ‘Tierra de promisión’ (2002-2025).

Letra y compás. Chema Madoz
2026-02-07 10:00 - 2026-05-17 20:00 | Centre del Carme, Museu, 2, Valencia, Valencia, 46001, España
El Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC) presenta Letra y compás, la última exposición del Premio Nacional de Fotografía, Chema Madoz, en la que une por primera vez su pasión por la música y los libros. Compuesta por 50 fotografías, la muestra invita al espectador a descubrir la poesía visual de uno de los fotógrafos españoles más reconocidos internacionalmente en la actualidad. Una partitura realizada en un telar, una araña tocando el piano, una rana en clave de sol, dos flautas convertidas en un arma peligrosa, una persiana musical, un látigo convertido en nota, un libro espejo, un violín cuchilla, un libro de arena… son algunas de las imágenes con las que el fotógrafo madrileño invita al espectador a adentrarse en su universo de fantasía, armonía y belleza.
La obsesión de Madoz se centra en la combinación de objetos para convertirlos el algo distinto, en muchos casos con claras referencias surrealistas. En los últimos años Madoz es conocido por su vinculación con el mundo de los libros, no sólo a través de sus fotografías, sino también por las colaboraciones con escritores además de Joan Brossa también con Leopoldo María Panero o, a título póstumo, Ramón Gómez de la Serna (poniendo imagen a sus aforismos). Además, fruto de su colaboración con distintas editoriales y museos ha publicado una veintena de libros. El artista también ama la música y esta exposición es un homenaje a la música y es la primera vez que une en una muestra sus dos grandes pasiones: la música y la letra.
Siguiendo la estética del artista, el propio montaje de la exposición ofrece un juego visual en forma de partitura e introduce al visitante en un inmenso pentagrama con las imágenes dispuestas a distintas alturas como si de notas musicales se tratara. Una composición realizada con alfileres, frases convertidas en hilos, un libro escalera, una jaula escrita, una araña que pende de una frase, la tinta convertida en noche, un pupitre convertido en libro, una lámpara que irradia frases, un laberinto de letras, un arco libresco… “así es el mundo fantástico de Madoz, sus obras se funden con uno de los principios de las Bellas Artes: buscar la belleza, la armonía y la expresión de emociones e ideas” y se completan en la mirada del espectador.

Paco Camallonga
2026-02-14 10:00 - 2026-04-26 20:00 | Centre del Carme, Museu, 2, Valencia, Valencia, 46001, España
El Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC) presenta la primera exposición del ilustrador, diseñador y escultor digital valenciano Paco Camallonga, autor del diseño de la falla Infantil del Ayuntamiento de València de este año. Premiado con los últimos nintots indultats infantiles, la muestra repasa también su figura, de proyección internacional, en el ámbito del cómic. La muestra, que podrá verse hasta el 26 de abril, exhibe sus ‘ninots indultats’ de las fallas y hogueras, maquetas de los monumentos festivos en 3D, más de 200 dibujos, entre bocetos y cómics, y un audiovisual sobre el proceso de creación del artista. Además, incluye una instalación que disecciona la falla infantil municipal de 2026 en el claustro renacentista del museo.

A media lumbre
2026-02-18 10:00 - 2026-06-14 20:00 | IVAM, / de Guillem de Castro, 118, València, Valencia, 46003, España
A media lumbre, (A mig foc), reuneix propostes que, des de les pràctiques artístiques contemporànies, obrin espais cap a materials que, fins a temps recents, han romàs jerarquitzats dins de perímetres subalterns: ceràmica, fang, llana, tèxtils, brodats, espart, palma, vímet i altres fibres naturals. Entre aquestes matèries s’inclouen també els sons i els silencis. La veu es fa present, reivindicant la tradició oral com a vehicle de la memòria, igual que en els antics filandons, aquelles reunions nocturnes entorn de la llar, mentre realitzaven labors manuals al calor del foc compartit.
A través de les peces i de les seues diferents materialitats, ens aproximem a sabers no hegemònics associats als territoris: l’artesania, els oficis i les tradicions vinculades a la terra. Salvaguardar els coneixements vernacles implica preservar no sols tècniques i manufactures, sinó també un patrimoni immaterial compost per tradicions orals, memòries, sabers populars i afectes col·lectius. Un patrimoni pres a mig foc, al ritme pausat dels gestos i herències compartides.
Llistat d’artistes:
Ana Laura Aláez
Pilar Albarracín
Javier Bravo
Saskia Calderón
Susana Cámara Leret
Ricardo Calero
Ana Esteve Llorens
Antonio Fernández Alvira
Marta Font
Julie C. Fortier
Josefina Guilisasti
Noemi Iglesias Barrios
Mónica Jover
Cecilia Jurado Chueca
Glenda León
Sandra Mar
Adriana Meunié
Sonia Navarro
Lara Ordóñez
Nuria Riaza
Belén Rodriguez
Laura Segura
Isabel Servera
Laurita Siles
Jessica Stockholder
Sarah Viguer
Concha Ybarra

1 voz, mil formas
2026-02-20 10:00 - 2026-04-06 20:00 | Blacklight, Reina Na Germana, 20, Valencia, Valencia, 46005, España
1 voz, 1.000 formas es una exposición colectiva que reúne a un grupo de mujeres artistas contemporáneas que, desde lenguajes plásticos muy diversos, exploran la multiplicidad de la voz femenina en el arte actual. A través de la pintura y la escultura, la muestra construye un espacio de diálogo en torno al cuerpo, la identidad y la experiencia femenina.
La exposición parte de una idea sencilla pero poderosa: lo femenino no es una categoría única ni cerrada, sino un territorio plural de miradas, emociones y formas de expresión. En este recorrido conviven propuestas viscerales y emocionales, reinterpretaciones de la tradición figurativa, universos simbólicos y poéticos, así como voces jóvenes y emergentes que miran hacia el futuro con libertad y espíritu transformador.
Con obras de Ana Riaño, Dilka Bear, Harumi Shinozuka, Ines Jimm, Inma Coll, Lisa Gingles, Mandy Shadows, Nayra López Martos, Nicoletta Tomas, Nuria Torres, Silvia Bignami y Susana Ragel, “1 voz, 1.000 formas” se presenta como un encuentro entre creadoras que, desde su singularidad, amplifican una voz colectiva y reivindican la diversidad en el arte contemporáneo.
La inauguración contará con música en directo a cargo de LIZZY LEE.

γ¹ β¹ A¹ B¹ C ↑ I⁴ K⁵ ↓
2026-02-21 10:00 - 2026-04-02 20:00 | Tuesday to Friday, San Pedro Pascual, 7, València, València, 46008, España
γ¹ β¹ A¹ B¹ C ↑ I⁴ K⁵ ↓ reúne las propuestas de Andrea Muniáin, Lola Zoido y Mayte Gómez Molina en torno a la persistencia de las estructuras narrativas como modelos para pensar la tecnología contemporánea. La exposición se basa en el cuento, la fábula y el mito no como historias del pasado, sino como dispositivos activos que siguen organizando nuestra relación con las imágenes, la promesa y la transformación.

La fábrica y el sexo. María Ruido
2026-02-21 10:00 - 2026-05-01 20:00 | Gal. Rosa Santos, Carrasquer, 1, Valencia, Valencia, 46001, España
La fabrica y el sexo fue realizado con una beca de la Real Academia de España en Roma durante 2025. Los fotomontajes, la performance y el ensayo visual final se estructuran en torno a los tres conceptos que anuncian los montajes en papel: pornografía, pornocracia y pornificación.
La primera pieza son tres fotomontajes realizados a partir de revistas compradas en “mercatinos” y materiales de internet consultados en Italia.
La segunda pieza es una conferencia-performance realizada el 10 de abril de 2025 con público en directo en la Sala de Retratos de la Real Academia de España en Roma sobre la industria pornográfica en Italia, poniendo el foco en la “uberización” de las condiciones de las trabajadoras de este sector y su deslocalización buscando trabajadoras del sexo a las que pagar menos, así como en la calidad de las imágenes pornográficas entendidas como la cúspide extrema de nuestro sistema visual hegemónico heteronormativo occidentalocéntrico. El resultado videográfico es una remezcla de los ensayos realizados y la performance en directo, editado por Pablo Marte en colaboración con la artista.
La tercera pieza es un ensayo visual que reflexiona sobre las relaciones entre el sexo, sus representaciones y el marco de poder donde se generan, focalizando su interés en las trabajadoras del porno y su carácter de “proletariado de la industria del sexo” partiendo del contexto socio-político italiano, así como la calidad de la pornografía de “epítome obsceno” de nuestro sistema visual hegemónico occidental.
El ensayo tiene una estructura triangular basada en los conceptos de pornografía, pornocracia y pornificación, que dialogan con el porno entendido como parte de la revolución sexual y fenómeno contracultural; con el desarrollo de la industria del porno tradicional en Italia (especialmente focalizado en figuras como Moana Pozzi o Cicciolina, quien llega a ser diputada en 1987 con el Partito Radicale); y con la espectacularización de la política alimentada por Berlusconi y el desarrollo del concepto de “obscenificación” del mundo, que discurre en paralelo con la llegada de las nuevas ultraderechas al poder en diversos países, entre ellos en Italia.

Estructura: Pigmento / aglutinante
2026-02-27 10:00 - 2026-05-22 20:00 | Gabinete de dibujos, Literat Azorín, 33, Valencia, Valencia, 46006, España
«… las obras que componen esta muestra son fruto (no solo) de años de constantes experiencias y reflexiones en torno a la pintura y su deconstrucción. Su radical sencillez, en las antípodas del ensimismamiento, nos enfrenta críticamente con la sobreabundancia de información, de gratuidad irrelevante, de imágenes desbordantes que campan a sus anchas. En las obras de Juan Sánchez no hay ninguna apuesta más o menos romántica por revisitar el pasado, por regresar las artes a las artesanías, ni por impulsar las artesanías a las artes. Su apuesta juega directamente con los materiales, con las estructuras, con las herramientas básicas de la construcción más elemental, -compás, plomada, lienzo- y del oficio en algunas de sus acepciones -ocupación habitual, habilidad lograda en la práctica de una profesión, hasta aquella relacionadas con lo sagrado-. Oscar Wilde sentencio: No solo en el arte. la forma es el alma. Y es precisamente en esa indisociable naturaleza compleja de la obra de arte donde Juan Sánchez mete el dedo -y la mano entera- en esa llaga que no deja de mostrar que el cuerpo -cualquier cuerpo- no es solo materia, sino también estructura. textura. color. forma y tiempo».
Juan Bautista Peiró
Universitat Politècnica de València

Feria del Libro Antiguo y de Ocasión de Valencia
2026-02-27 11:00 - 2026-03-22 11:00 | G.V. Marqués del Túria, Gran Vía Marqués del Túria, Valencia, Valencia, 46005, España
¡Vuelve la magia de los libros a València! Una cita imprescindible para amantes de la lectura, coleccionistas, curiosos y paseantes que disfrutan de oler, hojear y redescubrir los libros de siempre. Del 26 de febrero al 22 de marzo de 2026, la Gran Via Marqués del Túria se llenará de historias, curiosidades literarias y tesoros por descubrir en la 49ª Fira del Llibre Antic i d’Ocasió de València.

Podrás encontrar:
Ejemplares únicos y ediciones antiguas difíciles de hallar.
Obras de ocasión a precios especiales.
Libreros de toda España dispuestos a compartir su pasión por los libros y recomendarte joyas literarias.

📅 Fechas y horarios:
🕙 De lunes a sábado: 10:30–14:00 y 17:00–21:00
☀️ Domingos y festivos: 11:00–14:00 y 17:00–21:00

Organiza el Gremi de Llibrers de la Comunitat Valenciana, con la colaboración del Ajuntament de València y la Generalitat Valenciana.

’aura d’una saga moderna: Ignacio, José i Marisa Pinazo
2026-03-03 10:00 - 2027-02-07 20:00 | IVAM, / de Guillem de Castro, 118, València, Valencia, 46003, España
València és, entre 1870 i 1920, un dels nuclis artístics més prolífics i influents del seu temps. Un elevat nombre de pintors naixen i es formen a la ciutat, dels quals hui només es recorda una parcel·la reduïda, els denominats grans mestres de l’escola valenciana, malgrat que la majoria d’ells residiren fora de la seua ciutat natal.
D’este amplíssim catàleg de pintors de mitjan segles XIX i XX a penes coneixem les bio-grafies d’uns pocs, i un dels enigmes és conéixer com aconseguiren sobreviure en un medi tan competitiu i saturat de professionals. L’opció per a una gran majoria fou des-plaçar-se a altres ciutats i països d’Europa i Amèrica principalment. La docència fou un dels camins professionals pels quals optaren molts, però quan es depenia exclusivament de la comercialització dels treballs en un mercat de l’art tan constret com local, la vida de gran part d’estos artistes no deixava de ser heroica
En un context tan creatiu com el valencià, diríem que la vocació artística era en alguns casos un component genètic que es transmetia amb facilitat de pares a fills. Tal és el cas dels Pinazo, que constitueixen un exemple que sens dubte destaca entre les diverses famílies artístiques de la ciutat, com els Capuz, els López, els Benlliure, els Sorolla o els Manaut Viglietti, entre altres.
En aquest fenomen de transmissió de l’ofici hi ha un component pràctic, de continuïtat o herència d’una tradició —i també de vocació. La convivència i familiaritat amb la creació artística generen una predisposició que afavoreix la continuïtat de l’ofici, com exemplifica el cas del clan dels Pinazo que ara es presenta. El gran mestre Ignacio Pinazo i Camarlench (1849-1916) tingué dos fills que es van dedicar dedicaren a l’art, José i Ignacio Pinazo Martínez, el primer pintor i el segon escultor, encara que també practicà la pintura i fou cantant. Tot i que Ignacio Pinazo Martínez és un gran escultor, s’ha optat ara per mostrar l’obra de Marisa Pinazo Mitjans (1912-1990), filla de José Pinazo Martínez (1879-1933), ja que és ella qui dona continuïtat a l’art pictòric dins de la tercera generació.
Confrontar o mostrar seqüencialment l’art de tres generacions obliga a interpretar les relacions existents, l’evolució gradual de cada un d’elles, així com unes persistències que lògicament són més accentuades entre pare i fill que entre avi i neboda. Encara que la potent personalitat de l’avi siga objecte de veneració, l’art de cadascun segueix el seu curs i les creacions dels tres van parlant d’una superació de models i d’evolucions estilístiques que, en el seu conjunt, possibiliten realitzar un recorregut suggeridor que ens porta del naturalisme i el modernisme a l’art déco.
Els estímuls que provoquen els models paterns en les diferents generacions creen unes connexions o nexes que es perceben clarament entre els treballs d’Ignacio Pinazo i les creacions de José Pinazo de la seua fase inicial, de la mateixa manera que succeeix entre unes certes pintures de Marisa Pinazo i creacions de José Pinazo. Una breu selecció i emparentament d’obres de distint gènere permeten apreciar-ho amb nitidesa.

175 anys al cor de València
2026-03-05 10:00 - 2026-05-03 20:00 | Centre del Carme, Museu, 2, Valencia, Valencia, 46001, España
La exposición 175 anys al cor de València celebra el nacimiento y la evolución de la Escola d’Art i Superior de Disseny de València, institución clave en la vida cultural de la ciudad. Con más de un centenar de obras, la muestra recorre 175 años de historia en el mismo edificio donde surgió en 1850 la antigua Escuela de Artes y Oficios (actual Centre del Carme Cultura Contemporània), creada para mejorar la artesanía valenciana.
Durante más de cien años, la institución formó a miles de estudiantes en artes aplicadas y oficios artísticos, contribuyendo al desarrollo industrial de la ciudad. Desde los años sesenta del pasado siglo XX incorporó estudios innovadores como diseño de interiores, diseño gráfico, moda, diseño de producto, fotografía y joyería, consolidándose como referente en renovación pedagógica e internacionalización.
La exposición, conformada únicamente con trabajos de exalumnado de la EASD, conecta pasado y futuro, reivindicando el legado patrimonial y celebrando los retos y oportunidades que afronta la enseñanza del diseño en el siglo XXI.

Pujar la persiana. Sobre la recuperació del comerç local després de la DANA
2026-03-06 10:00 - 2026-05-02 20:00 | MuVIM, Quevedo, 10, Valencia, Valencia, 46001, España
La Diputació de València ha inaugurat este dimecres en el MuVIM l’exposició ‘Pujar la persiana. Sobre la recuperació del comerç local després de la DANA’, un projecte impulsat des del servici de Comarcalització i Promoció Econòmica que ha comptat amb la col·laboració d’Unió Gremial i de l’EASD (Escola Superior de Disseny de València), els qui han sigut els encarregats del disseny. La mostra, que podrà visitar-se fins al pròxim 2 de maig, reunix testimoniatges, fotografies i una instal·lació artística que recupera la memòria de la reobertura dels xicotets negocis després de la catàstrofe del 29 d’octubre de 2024.
El recorregut expositiu s’articula en tres grans seccions que permeten al visitant aproximar-se de manera progressiva a la realitat del comerç després de la DANA. La distribució permet que el públic comprenga l’evolució des de l’impacte de l’aigua fins a la reobertura definitiva. Sobre la proposta formal, Capó explica que les imatges van impreses en PVC sobre una estructura modular que s’adapta a espais no expositius, facilitant la seua itinerància pels ajuntaments afectats
La primera secció, denominada ‘L’Aparador’, presenta una instal·lació de caixes de cartó que funciona com una infografia tridimensional, representant visualment els nivells aconseguits per l’aigua i el volum de mercaderia perduda, situant a l’espectador en la magnitud física del desastre. La segona secció, situada en l’hall del MuVIM, reunix el gruix del material fotogràfic i documental. Es tracta d’un espai de “desbordament visual” on les imatges dels comerços abans, durant i després de la recuperació s’organitzen per a mostrar la recuperació.
La tercera secció, situada al pati anglés, constituïx el nucli més íntim de la mostra. Allí es projecta una peça audiovisual que arreplega els testimoniatges directes dels i les comerciants, permetent escoltar les veus d’esperança i l’esforç humà que hi ha darrere de cada persiana alçada. «L’objectiu és posar en valor el comerç local com a eix essencial del nostre món enfront de la fredor de les pantalles; reivindicar gestos quotidians com alçar una persiana o el so d’una campaneta, fonamentals per a la recuperació d’una societat ferida i la vertebració del territori», conclou.

Tàpies. Última década. 2002-2012
2026-03-06 10:00 - 2026-08-30 20:00 | Fundación Bancaja, Plaça de Tetuán, 23, Valencia
La Fundación Bancaja ha presentado esta mañana en su sede de Valencia la exposición Tàpies. Última década. 2002-2012, una muestra monográfica de uno de los artistas más destacados del siglo XX y considerado uno de los máximos exponentes del informalismo a nivel internacional. La exposición se centra en la producción tardía de Antoni Tàpies, desde 2002 hasta su muerte en 2012 a los 88 años, con un conjunto de obras especialmente representativas que condensan su esencia como artista durante un período menos conocido dentro de una dilatada trayectoria artística de seis décadas. El recorrido expositivo revela cómo las ideas y formas que dieron forma a su singular y reconocida personalidad artística siguieron presentes en el trabajo realizado desde la madurez de su octava década de vida con una expresión pictórica que se vuelve más libre, directa y depurada.

El efecto mariposa
2026-03-07 10:00 - 2026-04-11 20:00 | The Grapa, Puerto Rico, 40, Bajo Izq, València, València, 46006, España
El efecto mariposa explora cómo cada decisión, gesto o hábito —desde las acciones de grandes corporaciones y líderes mundiales hasta las elecciones cotidianas de los ciudadanos del llamado “mundo rico”— genera consecuencias que se extienden mucho más allá de nuestra percepción inmediata. Cada guerra, cada proceso de deforestación, cada forma de explotación o contaminación no solo transforma la vida de los más vulnerables, sino que también moldea nuestro propio mundo, en sus dimensiones visibles e invisibles.
La exposición invita a observar de frente los mecanismos del capitalismo global: un sistema donde poder, acumulación e indiferencia se entrelazan produciendo desigualdades profundas y efectos inesperados, tanto cerca como lejos de nosotros. En el marco de International Women’s Day, la exposición propone también reflexionar sobre cómo estos sistemas globales afectan de forma desproporcionada a las mujeres y a las comunidades marginadas. A lo largo de las cadenas de producción, en zonas de conflicto o en territorios especialmente vulnerables a la crisis climática, son con frecuencia las mujeres quienes soportan las consecuencias más duras de la desigualdad mientras sostienen familias, comunidades y movimientos de resistencia.
Reconocer ese trabajo —visible e invisible— resulta esencial para comprender el verdadero alcance del “efecto mariposa” dentro del capitalismo contemporáneo. La muestra plantea así que la injusticia de género no es un efecto colateral, sino una dimensión estructural de estos sistemas: se manifiesta en la precariedad económica, el trabajo de cuidados no remunerado, las brechas salariales y las limitaciones en el acceso a recursos y espacios de decisión. Sin embargo, el proyecto no se limita a la crítica. La exposición propone un espacio de reflexión consciente donde el espectador puede reconocer cómo incluso sus actos más cotidianos forman parte de esta red global de relaciones y consecuencias. En ese sentido, cada gesto puede convertirse también en una herramienta de transformación.
A través de un lenguaje visual intenso y simbólico, Silvia Viana muestra que el cambio no depende únicamente de los grandes acontecimientos históricos, sino también de la conciencia sobre nuestra propia vida y nuestras decisiones. El “efecto mariposa estructural del capitalismo” revela que cada acción cuenta y que nuestra libertad está inevitablemente entrelazada con la de los demás. La exposición se presenta así como una invitación a la comprensión crítica, la responsabilidad ética y la solidaridad colectiva: un primer paso hacia un mundo más justo, consciente e inclusivo.

Foc al desert. El Temple del Burning Man
2026-03-10 10:00 - 2026-04-02 19:00 | CTAV, Hernán Cortés, 6, Valencia, Valencia, 46004, España
Des de fa ja 9 anys, el Col·legi Territorial d’Arquitectes (CTAV) ve recollint l’esforç innovador que la nostra professió aporta al monument de les FALLES. Un homenatge al foc de la mà de l’arquitectura. En l’estiu del 2025, aquest foc va sobrepassar el territori en el qual vivim i ha portat la màgia de la nostra cultura a altres confins. Entra i acompanya’ns a l’interior de la mostra per a conéixer a Miguel Arraiz i al seu equip treballant en un desert de Nevada. L’exposició Foc al desert. El Temple del Burning Man, permet entendre el festival com un experiment social, una utopia temporal. El Temple és un monument que presideix una ciutat efímera de 70.000 persones i que igual que les Falles, existeix només durant uns dies i és destruït pel foc.
Enguany el CTAV i el Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC) col·laboren en aquesta iniciativa i comparteixen continguts i debat. Les dues exposicions seran simultànies i es completaran amb la visita guiada per Falles Experimentals del 16 de Març.
Pablo Peñín Llobell
Arquitecte i Secretari del CTAV

VerdeVerdad
2026-03-10 10:00 - 2026-06-28 20:00 | Atarazanas, Pl. Juan Antonio Benlliure, s/n, Valencia, Valencia, 46011, España
La naturaleza, dejó dicho Cicerón, “ha puesto en nuestras mentes un insaciable deseo de ver la verdad”. Ver la verdad que, en la exposición que nos ocupa, bien pudiera ser ‘VerdeVerdad’. O sea, ver de verdad a través del verde que viene a atravesar el conjunto expositivo. Pero ¿de qué verdad estaríamos hablando, sintetizada en ese color verde asociado a naturaleza tan deseada?
Caben dos acercamientos: el de la verdad de una naturaleza que colma nuestros sentidos y, por tanto, nos calma al lograr, bajo el influjo que provoca la fusión imaginaria con tan embriagador entorno, un absoluto de placer. O bien el de la verdad ahora vinculada con sus efectos más desasosegantes, al sentir la devastación a que puede dar lugar dicha naturaleza cuando se inscribe en su interior cierto desbocamiento.
Verdad, pues, imaginaria –fruto del anhelo de totalidad– e inquietante –fruto de la desazón que provoca su faz más siniestra–. Una verdad dual que exploran los cinco artistas convocados en la exposición ‘VerdeVerdad’, comisariada por MAKMA, revista de artes visuales y cultura contemporánea, que acoge las Atarazanas del Grao del Ayuntamiento de València hasta el 28 de junio y cuya inauguración se celebrará el martes 10 de marzo, a las 19:00. Lo hacen mediante una serie de obras que, en sí mismas, ya contienen esa verdad dual de la naturaleza que, al mismo tiempo, nos atrae y nos genera zozobra.

Girar com planetes que roten en el seu prat nocturn. Espais d’afectivitat entre dones
2026-03-11 10:00 - 2026-05-31 20:00 | La Nau, Universitat, 2, Valencia, Valencia, 46002, España
Girar com planetes que roten en el seu prat nocturn. Espais d’afectivitat entre dones és una proposta col·lectiva que explora els vincles afectius entre dones a través de l’art contemporani. La mostra reuneix obres de 19 artistes i proposa un recorregut per diferents llenguatges artístics -fotografia, pintura, instal·lació, audiovisual, escultura, ceràmica i tèxtil-, per a abordar temes com el desig, l’amistat, la complicitat, les genealogies afectives o les formes de cura compartida. El projecte s’endinsa en els afectes i desafectes entre dones a partir de pràctiques artístiques contemporànies que dialoguen amb l’experiència, la memòria i les genealogies emocionals. La mostra s’articula al voltant de diversos marcs de ressonància -com In illo tempore (en un altre temps), el contínuum lesbià, la invisibilitat o la diferència específica-, que funcionen com a camps oberts on s’entrecreuen relats, temps i cossos. Les obres presents exploren territoris sensibles i experiencials on conviuen el vulnerable i el poderós. A través d’imatges, objectes i materials diversos, les propostes construeixen un paisatge d’afectivitats que desafia els discursos heteronormatius i recupera històries, vincles i relats que han quedat fora de la narrativa històrica dominant.
La mostra dona veu a una sèrie d’artistes: Nucbeade, Marta Galindo, O.R.G.I.A, Yera Moreno, Hanna Jarzabek, Andrea Rodríguez, Núria Martínez Seguer, Olalla Gómez Valdericeda, Mercedes Azpilicueta, Isabel Martín i Paula Yubero, Laia Arqueros, Isabel Cordovil, BajoRufián i Sara Mono, les obres de les quals configuren aquesta constel·lació de mirades i pràctiques.

L’or roig. La ruta del safrà
2026-03-12 10:00 - 2026-09-27 20:00 | L’Etno, Corona, 36, Valencia, Valencia, 46003, España
Més enllà del seu paper com a condiment, el safrà era valorat per la seua fragància, el seupoder tintori i les seues virtuts terapèutiques. A diferència del comerç d’espècies com el pebre o la canyella, provinents de regions llunyanes com l’Índia o Indonèsia que arribaven a Europa a través de la Ruta de la Seda, el safrà espanyol va realitzar durant els segles XIX i XX un trajecte invers, d’Occident a Orient. En este cas partint de localitats com Novelda, que es vanconvertir en el centre comercialitzador d’un producte cultivat en zones de Castella-la Manxa, per a exportar el safrà a l’Índia, la Xina, Filipines, el Japó o Amèrica.
A València també es va cultivar i comercialitzar l’or roig, com testifica l’existència d’una llotja del safrà a la ciutat, encara que l’activitat va decaure amb el pas dels anys. En l’actualitat, Novelda continua conservant empreses dedicades a comercialitzar esta espècia en més de mig món, com es mostra en l’exposició a través de documents i fotografies.
La mostra exhibix també diversos objectes relacionats amb el comerç del safrà, però sobretotuna gran quantitat de caixes i contenidors necessaris per a portar el producte a diferents partsdel món. Estes caixes van ser produïdes pels mercaders de Novelda, que van usar motius i decoracions adaptades als països de destinació per a una millor comercialització.
La llanda i la iconografia hindú
A través de la col·lecció de caixes de safrà de David Beltrá Torregrosa s’observa l’evolució de les llandes, les decoracions i els motius adaptats a les modes del seu temps. Resulta especialment significativa la iconografia hindú que posa de manifest l’enginy delscomercialitzadors. Alguns d’estos motius són espirituals i religiosos, ja que en països coml’Índia el safrà era usat en l’àmbit espiritual i en les cerimònies religioses.
L’exposició dedica un apartat a l’evolució dels dissenys dirigits a fer més atractius els productesi construir marques sòlides. Des dels fràgils i efímers embolcalls de paper d’una sola dosi finsals elegants estotjos litografiats. No són estos els únics aspectes tractats en una mostra que aborda temes com el paper de la dona en la producció del safrà, l’entramat industrial que partixde terres alacantines, amb epicentre a Novelda, i la llotja de safrà de València impulsada pelcomerciant Dámaso Alcaraz.
En estes seccions es presenta el laboriós treball de les dones manxegues, amb denominaciód’origen pròpia, el procés de recol·lecta, torrat i preparació per a la comercialització de l’espècia, i la visió de comerciants de Novelda com José Cantó i el seu nebot José Verdú, Manuel Alberola, Arturo Gómez Tejedor i els germans Juan i José Sellés.
