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SUMMARY:Música i matemàtiques. Un viatge sonor del caos al cosmos
DESCRIPTION:La música és sentiment i emoció\, però darrere de les sensacions que provoca en nosaltres s’hi amaga la racionalitat de les matemàtiques. Aquesta és la idea central de Música i matemàtiques. Un viatge sonor del caos al cosmos\, mostra que recorre la història dels sons des del big-bang fins als nostres dies. L’exposició es val d’un caràcter eminentment interactiu per aconseguir que els visitants entenguin els vincles que uneixen ambdues disciplines mentre visualitzen les ones generades per la vibració d’una corda\, imiten el timbre de diferents instruments o juguen amb notes\, ritmes i timbres per generar un so harmònic.
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LOCATION:CaixaForum\, Professor López Piñero\, 7\, Valencia\, Valencia\, 46023\, España
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SUMMARY:Entre lo profundo y lo distante
DESCRIPTION:Un proyecto concebido específicamente para la Galería 6 del IVAM por Andrea Canepa (Lima\, 1980) en el que la artista propone una colorista instalación experiencial e inmersiva que ocupa las dos plantas\, conectadas mediante una intervención que atraviesa la escalera\, en la que reflexiona sobre la percepción del tiempo. Los visitantes que accedan a la sala encontrarán estructuras geométricas\, piezas modulares\, grandes volúmenes de colores y formas reminiscentes de juguetes tipo mecano. La instalación se ha realizado utilizando materiales diversos\, como telas\, hilo\, azulejos\, maderas\, tierra e\, incluso\, cristal.  \nLa planta inferior recrea el universo de lo que está en lo profundo de las cosas: como si se tratase de una caverna\, un inframundo o un útero materno. “Todo está organizado en capas: los sedimentos del suelo están en las paredes\, hay esculturas que remiten a los anillos de los árboles que envuelven todo el espacio de la galería y el visitante se puede mover entre ellas”\, ha detallado Andrea Canepa sobre esta primera planta con luces bajas que insisten en la sensación de interioridad. \nEn la planta superior\, una línea metálica recorre el perímetro de la sala como un horizonte y se interrumpe con esculturas que alteran su curso. La instalación dialoga con el sistema de ceques del mundo andino precolombino. “Se trata de una red de líneas sagradas que partían del centro de la ciudad hacia el horizonte\, conectando huacas —lugares sagrados— y trazando una correspondencia entre espacio y tiempo. Cada huaca marcaba momentos del calendario inca”\, recordó la artista.
URL:https://au-agenda.com/evento/entre-lo-profundo-y-lo-distante/
LOCATION:IVAM\, / de Guillem de Castro\, 118\, València\, Valencia\, 46003\, España
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SUMMARY:Circuito cerrado
DESCRIPTION:La presente exposición propone una reflexión en torno a los conceptos de empatía\, amor y soledad\, a partir de la concepción del sujeto como circuito cerrado. Es decir\, como un ser perceptivamente cerrado en sí mismo\, productor y\, a su vez\, receptor de las capas de realidad que su conciencia genera para protegerse frente a la única verdad de la que dispone\, la de su propia muerte. Desde esta perspectiva\, la imagen del otro es también un constructo\, la proyección de la personalidad del propio sujeto modulada por apariencias exteriores y signos de vida: un yo modificado. Así lo formuló en 1903 Theodor Lipps\, primer teórico de la Einfühlung (empatía)\, al entender en su tratado de estética la percepción del otro como una forma de autopercepción. \nEn este contexto\, el entramado de relaciones humanas\, articulado mediante pactos y negociaciones lingüísticas\, se revela como un dispositivo de supervivencia más\, una ilusión de comunicación que enmascara la imposibilidad última de compartir plenamente la experiencia interior\, pues\, como señaló Georges Bataille\, “no se puede\, discursivamente\, expresar la intimidad”. La sociedad no sería entonces sino una ficción operativa sostenida por el lenguaje\, una forma consensuada de organizar la experiencia y de mantener a distancia aquello que desborda toda representación. En este sentido\, la soledad no aparece como una excepción\, sino como una condición constitutiva de la experiencia individual. \nDesde esta premisa\, Circuito Cerrado plantea una pregunta esencial: ¿cómo puede el ser humano reconocerse en el otro\, tal como entendemos la empatía\, y compartir ese sentimiento bajo la promesa del lenguaje?¿Puede el amor traspasar esa barrera de la individualidad y dar lugar a formas de realidad funcional compartida? A través de la práctica del dibujo\, el videoarte y el cine\, trece artistas de distintas generaciones y contextos transitan en torno a estas cuestiones cuya base filosófica atraviesa la historia del pensamiento\, de Oriente a Occidente\, hasta nuestros días.
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LOCATION:Centre del Carme\, Museu\, 2\, Valencia\, Valencia\, 46001\, España
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SUMMARY:Ana Esteve Reig: El ritual del respawn
DESCRIPTION:Ana Esteve Reig presenta El ritual del respawn\, una exposición individual compuesta por dos videoinstalaciones que reflexionan sobre la virtualidad y el tiempo que pasamos frente a las pantallas. El título alude al término “respawn”\, propio de los videojuegos\, que designa el acto de morir y volver a aparecer en el juego\, una idea que atraviesa ambas obras como metáfora de la experiencia en los entornos digitales. \nLa exposición reúne ‘Gamer Dreams’\, un vídeo que recorre a través de continuos travellings los espacios físicos donde se desarrollan múltiples historias virtuales\, y ‘El ritual del respawn’\, una pieza que sitúa al espectador dentro del gameplay mientras un grupo de amigos reflexiona sobre la vida\, la muerte y el miedo entre otros temas a partir de sus experiencias jugando a videojuegos. A través del lenguaje audiovisual\, la artista aborda relatos personales que se convierten en experiencias compartidas y universales. \nAna Esteve Reig (Agres\, 1986) es artista visual y videoartista. Su trabajo investiga la relación entre tecnología\, imagen y experiencia contemporánea\, con especial interés en la virtualidad\, las comunidades digitales y los rituales que emergen en torno a las pantallas.
URL:https://au-agenda.com/evento/ana-esteve-reig-el-ritual-del-respawn/
LOCATION:Centre del Carme\, Museu\, 2\, Valencia\, Valencia\, 46001\, España
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SUMMARY:Una vida entre llibres: la impremta valenciana a través de Serrano Morales
DESCRIPTION:El Palau de Cervelló ofereix des d’esta vesprada l’exposició “Una vida entre llibres: la impremta valenciana a través de Serrano Morales”\, una mostra comissariada per Enrique Fink i que proposa un recorregut per les principals fites de la impremta valenciana a través dels seus protagonistes més destacats i d’una acurada selecció d’obres procedents de la Biblioteca Serrano Morales\, formada a partir de la donació del bibliòfil insigne.  \nEntre les peces exposades\, el públic podrà vore en funcionament la rèplica de la impremta de Gutenberg\, propietat de l’Associació del Senat del Museu de la Impremta del Puig i actualment en dipòsit al MuVIM\, així com una premsa Minerva i un cavallet i que permetran conéixer de manera directa els processos tradicionals d’impressió. \nJosé Enrique Serrano Morales\, nascut a Algesires el 1851 i valencià d’adopció\, fou l’autor d’un extens Diccionari d’impressors valencians\, convertit des de la primera edició en obra de referència imprescindible per a l’estudi de la història de la impremta a la ciutat. De trajectòria intel·lectual reconeguda\, Serrano Morales destacà com a erudit i bibliòfil i va reunir una biblioteca extensa que l’any 1908 donà a l’Ajuntament de València i va passar a ser la col·lecció fundacional de la biblioteca que porta el seu nom. \nL’exposició es podrà visitar al Palau de Cervelló de dimarts a dissabte\, de 10 a 19:00 hores (última visita a les 18:45 h) i diumenges de 10 a 14:00 (última visita a les 13:45). \nL’exposició es completa amb un cicle de conferències i amb dos rutes culturals: una per la València de Cervantes i una altra per les impremtes dels segles XIX i XX\, guiades respectivament per Begoña Valero el 16 d’abril i per Enrique Fink el 5 de març. Les rutes tindran lloc de 18.00 a 20.00 hores i començaran al Palau de Cervelló. Podeu inscriure-vos en les activitats al telèfon 963 525 478.
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LOCATION:Palau de Cervelló\, Pl. Tetuan\, 3\, Valencia\, Valencia\, 46003\, España
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SUMMARY:El pie del bosque. Lamarche - Ovize
DESCRIPTION:Luis Adelantado presenta El pie del bosque\, la cuarta exposición individual del dúo Lamarche – Ovize en la galería\, cuya práctica se sitúa en un territorio de fricción productiva entre dibujo\, cerámica e instalación. Lejos de una jerarquía disciplinar\, su trabajo se articula como un sistema de relatos en el que lo material y lo simbólico se entrelazan: formas\, figuras y objetos funcionan como nodos narrativos que activan imaginarios compartidos y cuestionan las fronteras entre arte y artesanía\, entre lo cotidiano y lo mítico. \nEl proyecto reúne dibujos\, pinturas\, serigrafías y piezas escultóricas concebidas como fragmentos de una narración abierta. En ellas\, los artistas despliegan un vocabulario formal que combina precisión gráfica y atención a los procesos manuales\, subrayando la dimensión temporal del hacer. El dibujo opera como estructura de pensamiento y organización del relato\, mientras la cerámica y la escultura introducen el volumen\, el peso y la presencia física de las imágenes. La instalación articula así un espacio de lectura en el que el espectador es invitado a recomponer vínculos\, ritmos y secuencias. Lo narrativo no aparece como ilustración\, sino como método: una forma de pensar a través de las cosas. \nEl bosque que propone El pie del bosque no es un paisaje naturalista\, sino un territorio simbólico y proliferante. Motivos vegetales\, animales y formas híbridas se acumulan\, se repiten y se transforman\, evocando tanto los bestiarios y repertorios decorativos históricos como una sensibilidad contemporánea atenta a las relaciones entre lo vivo\, lo ornamental y lo narrativo. Las esculturas —entre lo funcional y lo fantástico\, entre el objeto doméstico y la figura imaginaria— refuerzan esta ambigüedad\, introduciendo cuerpos que parecen surgir del mismo sustrato gráfico que las obras sobre papel. La muestra propone así una experiencia de observación lenta y atenta\, en la que cada obra funciona como punto de apoyo —como “pie”— para un relato mayor. Un proyecto que entiende el dibujo\, la cerámica y la escultura no solo como técnicas\, sino como modos de relación entre imágenes\, materiales y formas de imaginar el mundo.
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LOCATION:Luis Adelantado\, Bonaire\, 6\, Valencia\, Valencia\, 46003\, España
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SUMMARY:Alucinaciones. Ana Esteve Reig
DESCRIPTION:La Galería Luis Adelantado tiene el placer de presentar la primera exposición individual de Ana Esteve Reig. Alucinaciones es el título elegido por la artista para esta muestra\, en la que se alude\, por un lado\, a las llamadas alucinaciones de la Inteligencia Artificial —sus errores interpretativos\, sus desvíos imaginativos— y\, por otro\, a esos territorios híbridos donde lo virtual\, lo simbólico y lo afectivo se confunden: espacios como el cosplay\, los metaversos o los videojuegos\, lugares que pertenecen a la ficción pero que ya conforman parte esencial de nuestra realidad contemporánea. \nLa exposición propone un recorrido por la obra de Ana Esteve Reig en torno a las imágenes producidas por la tecnología\, los modos actuales de construcción identitaria y la potencia transformadora de lo virtual. Su mirada establece una relación crítica y al mismo tiempo profundamente afectiva con los entornos digitales\, entendiéndolos no como un espacio hedonista\, sino como laboratorios sociales donde construir nuevas formas de subjetividad: deseos\, miedos y mitologías. Su trabajo desestabiliza los regímenes de visibilidad contemporáneos\, proponiendo nuevas formas de corporización y agencia en entornos mediados por el vídeo. \nA través del lenguaje propio del videoarte —poético\, narrativo y conceptual— la artista aborda cuestiones universales como la necesidad humana de proyectarse en imágenes y la forma en que la tecnología condiciona nuestra percepción del mundo. Del mismo modo\, su obra dialoga con los feminismos contemporáneos\, reactivando figuras y arquetipos invisibilizados\, generando interfaces que reconfiguran la experiencia y la imaginación del cuerpo en el universo virtual (Donna Haraway\, A Cyborg Manifesto\, 1991).
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LOCATION:Luis Adelantado\, Bonaire\, 6\, Valencia\, Valencia\, 46003\, España
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SUMMARY:Pepe Beas. Los márgenes de lo real
DESCRIPTION:El Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC) presenta la primera exposición retrospectiva en España dedicada al trabajo videográfico del artista castellonense Pepe Beas\, pionero del videoarte y cuyos trabajos transitan desde el cine independiente de finales de los 70 hasta la videoinstalación o videoescultura. Conocido artísticamente como pepebeas\, su figura ha estado muy ligada al espíritu de artistas como Antoni Muntadas\, Antoni Padrós\, Grup de Treball\, Eugènia Balcells\, Antoni Miralda\, Francesc Torres\, Nam June Paik o Wolf Vostell. Pepe Beas. Los márgenes de lo real\, que se podrá ver hasta el 12 de abril en la sala Ferreres del CCCC\, recorre la trayectoria del artista a través de nueve grandes instalaciones convertidas en escenografías que envuelven al espectador y lo interpelan acerca de cuestiones como la emigración\, la violencia\, la identidad o temas filosóficos como el eremitismo o la serialidad infinita de la vida. \nTras sus primeras obras cinematográficas\, la exposición ofrece un recorrido más o menos cronológico a través de nueve instalaciones. En el sueño del emigrante (1992) Beas reflexiona sobre la deshumanización y el papel del individuo en un mundo alienante. ‘La videoboda’ o ‘Presente ilustrativo’ (1989) introduce al visitante y lo envuelve en la escena de un banquete nupcial en el que sobre la mesa descubre varios vídeos de bodas reales\, típicas de los años 70\, para reflexionar sobre la relevancia del género como construcción social. Según Tena en esta instalación se observa la influencia de obras como ‘Texas TV Dinner’ de Antoni Miralda donde se hace evidente la fusión entre alta y baja cultura. \nEn ‘Los Eremitas’ (2002)\, ‘Deshielo y mandorla’ (2011 – 2012) y ‘La realidad es serial como algunos asesinos’ (2007/2008) Beas empieza a adentrarse en textos filosóficos. En esta última instalación muestra una cinta transportadora\, una cinta sinfín para reflexionar sobre la serialidad infinita de la vida en la que todo se repite\, generación tras generación. La pieza ‘El festín de la carne’ (2007) sin embargo\, explora la relación entre lo carnal y lo espiritual. Según Tena “Beas transforma el barro en una alegoría sobre el ser humano: venimos del barro y en barro nos convertiremos”. \nEn ‘Runa Uturunco’ (2015) explica Beas que llegada la ancianidad se inspira en una leyenda indígena argentina para explorar el concepto de poder y de transformación. La exposición se cierra como empieza\, reflexionando sobre la identidad\, en ‘Laudas funerarias como sábanas tendidas al sol’ (2019) y sobre la emigración en dos vídeos de nueva creación ‘Persona y ‘Tierra de promisión’ (2002-2025).
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SUMMARY:Letra y compás. Chema Madoz
DESCRIPTION:El Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC) presenta Letra y compás\, la última exposición del Premio Nacional de Fotografía\, Chema Madoz\, en la que une por primera vez su pasión por la música y los libros. Compuesta por 50 fotografías\, la muestra invita al espectador a descubrir la poesía visual de uno de los fotógrafos españoles más reconocidos internacionalmente en la actualidad. Una partitura realizada en un telar\, una araña tocando el piano\, una rana en clave de sol\, dos flautas convertidas en un arma peligrosa\, una persiana musical\, un látigo convertido en nota\, un libro espejo\, un violín cuchilla\, un libro de arena… son algunas de las imágenes con las que el fotógrafo madrileño invita al espectador a adentrarse en su universo de fantasía\, armonía y belleza. \nLa obsesión de Madoz se centra en la combinación de objetos para convertirlos el algo distinto\, en muchos casos con claras referencias surrealistas. En los últimos años Madoz es conocido por su vinculación con el mundo de los libros\, no sólo a través de sus fotografías\, sino también por las colaboraciones con escritores además de Joan Brossa también con Leopoldo María Panero o\, a título póstumo\, Ramón Gómez de la Serna (poniendo imagen a sus aforismos). Además\, fruto de su colaboración con distintas editoriales y museos ha publicado una veintena de libros.  El artista también ama la música y esta exposición es un homenaje a la música y es la primera vez que une en una muestra sus dos grandes pasiones: la música y la letra. \nSiguiendo la estética del artista\, el propio montaje de la exposición ofrece un juego visual en forma de partitura e introduce al visitante en un inmenso pentagrama con las imágenes dispuestas a distintas alturas como si de notas musicales se tratara. Una composición realizada con alfileres\, frases convertidas en hilos\, un libro escalera\, una jaula escrita\, una araña que pende de una frase\, la tinta convertida en noche\, un pupitre convertido en libro\, una lámpara que irradia frases\, un laberinto de letras\, un arco libresco… “así es el mundo fantástico de Madoz\, sus obras se funden con uno de los principios de las Bellas Artes: buscar la belleza\, la armonía y la expresión de emociones e ideas” y se completan en la mirada del espectador.
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SUMMARY:Paco Camallonga
DESCRIPTION:El Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC) presenta la primera exposición del ilustrador\, diseñador y escultor digital valenciano Paco Camallonga\, autor del diseño de la falla Infantil del Ayuntamiento de València de este año. Premiado con los últimos nintots indultats infantiles\, la muestra repasa también su figura\, de proyección internacional\, en el ámbito del cómic. La muestra\, que podrá verse hasta el 26 de abril\, exhibe sus ‘ninots indultats’ de las fallas y hogueras\, maquetas de los monumentos festivos en 3D\, más de 200 dibujos\, entre bocetos y cómics\, y un audiovisual sobre el proceso de creación del artista. Además\, incluye una instalación que disecciona la falla infantil municipal de 2026 en el claustro renacentista del museo.
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LOCATION:Centre del Carme\, Museu\, 2\, Valencia\, Valencia\, 46001\, España
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SUMMARY:A media lumbre
DESCRIPTION:A media lumbre\, (A mig foc)\, reuneix propostes que\, des de les pràctiques artístiques contemporànies\, obrin espais cap a materials que\, fins a temps recents\, han romàs jerarquitzats dins de perímetres subalterns: ceràmica\, fang\, llana\, tèxtils\, brodats\, espart\, palma\, vímet i altres fibres naturals. Entre aquestes matèries s’inclouen també els sons i els silencis. La veu es fa present\, reivindicant la tradició oral com a vehicle de la memòria\, igual que en els antics filandons\, aquelles reunions nocturnes entorn de la llar\, mentre realitzaven labors manuals al calor del foc compartit. \nA través de les peces i de les seues diferents materialitats\, ens aproximem a sabers no hegemònics associats als territoris: l’artesania\, els oficis i les tradicions vinculades a la terra. Salvaguardar els coneixements vernacles implica preservar no sols tècniques i manufactures\, sinó també un patrimoni immaterial compost per tradicions orals\, memòries\, sabers populars i afectes col·lectius. Un patrimoni pres a mig foc\, al ritme pausat dels gestos i herències compartides. \nLlistat d’artistes:\nAna Laura Aláez\nPilar Albarracín\nJavier Bravo\nSaskia Calderón\nSusana Cámara Leret\nRicardo Calero\nAna Esteve Llorens\nAntonio Fernández Alvira\nMarta Font\nJulie C. Fortier\nJosefina Guilisasti\nNoemi Iglesias Barrios\nMónica Jover\nCecilia Jurado Chueca\nGlenda León\nSandra Mar\nAdriana Meunié\nSonia Navarro\nLara Ordóñez\nNuria Riaza\nBelén Rodriguez\nLaura Segura\nIsabel Servera\nLaurita Siles\nJessica Stockholder\nSarah Viguer\nConcha Ybarra
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SUMMARY:1 voz\, mil formas
DESCRIPTION:1 voz\, 1.000 formas es una exposición colectiva que reúne a un grupo de mujeres artistas contemporáneas que\, desde lenguajes plásticos muy diversos\, exploran la multiplicidad de la voz femenina en el arte actual. A través de la pintura y la escultura\, la muestra construye un espacio de diálogo en torno al cuerpo\, la identidad y la experiencia femenina. \nLa exposición parte de una idea sencilla pero poderosa: lo femenino no es una categoría única ni cerrada\, sino un territorio plural de miradas\, emociones y formas de expresión. En este recorrido conviven propuestas viscerales y emocionales\, reinterpretaciones de la tradición figurativa\, universos simbólicos y poéticos\, así como voces jóvenes y emergentes que miran hacia el futuro con libertad y espíritu transformador. \nCon obras de Ana Riaño\, Dilka Bear\, Harumi Shinozuka\, Ines Jimm\, Inma Coll\, Lisa Gingles\, Mandy Shadows\, Nayra López Martos\, Nicoletta Tomas\, Nuria Torres\, Silvia Bignami y Susana Ragel\, “1 voz\, 1.000 formas” se presenta como un encuentro entre creadoras que\, desde su singularidad\, amplifican una voz colectiva y reivindican la diversidad en el arte contemporáneo. \nLa inauguración contará con música en directo a cargo de LIZZY LEE.
URL:https://au-agenda.com/evento/1-voz-mil-formas-2/
LOCATION:Blacklight\, Reina Na Germana\, 20\, Valencia\, Valencia\, 46005\, España
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SUMMARY:La fábrica y el sexo. María Ruido
DESCRIPTION:La fabrica y el sexo fue realizado con una beca de la Real Academia de España en Roma durante 2025. Los fotomontajes\, la performance y el ensayo visual final se estructuran en torno a los tres conceptos que anuncian los montajes en papel: pornografía\, pornocracia y pornificación. \nLa primera pieza son tres fotomontajes realizados a partir de revistas compradas en “mercatinos” y materiales de internet consultados en Italia. \nLa segunda pieza es una conferencia-performance realizada el 10 de abril de 2025 con público en directo en la Sala de Retratos de la Real Academia de España en Roma sobre la industria pornográfica en Italia\, poniendo el foco en la “uberización” de las condiciones de las trabajadoras de este sector y su deslocalización buscando trabajadoras del sexo a las que pagar menos\, así como en la calidad de las imágenes pornográficas entendidas  como la cúspide extrema de nuestro sistema visual hegemónico heteronormativo occidentalocéntrico. El resultado videográfico es una remezcla de los ensayos realizados y la performance en directo\, editado por Pablo Marte en colaboración con la artista. \nLa tercera pieza es un ensayo visual que reflexiona sobre las relaciones entre el sexo\, sus representaciones y el marco de poder donde se generan\, focalizando su interés en las trabajadoras del porno y su carácter de “proletariado de la industria del sexo” partiendo del contexto socio-político italiano\, así como la calidad de la pornografía de “epítome obsceno” de nuestro sistema visual hegemónico occidental. \nEl ensayo tiene una estructura triangular basada en los conceptos de pornografía\, pornocracia y pornificación\, que dialogan con el porno entendido como parte de la revolución sexual y fenómeno contracultural; con el desarrollo de la industria del porno tradicional en Italia (especialmente focalizado en figuras como Moana Pozzi o Cicciolina\, quien llega a ser diputada en 1987 con el Partito Radicale); y con la espectacularización de la política alimentada por Berlusconi y el desarrollo del concepto de “obscenificación” del mundo\, que discurre en paralelo con la llegada de las nuevas ultraderechas al poder en diversos países\, entre ellos en Italia.
URL:https://au-agenda.com/evento/la-fabrica-y-el-sexo-maria-ruido/
LOCATION:Gal. Rosa Santos\, Carrasquer\, 1\, Valencia\, Valencia\, 46001\, España
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SUMMARY:Estructura: Pigmento / aglutinante
DESCRIPTION:«… las obras que componen esta muestra son fruto (no solo) de años de constantes experiencias y reflexiones en torno a la pintura y su deconstrucción. Su radical sencillez\, en las antípodas del ensimismamiento\, nos enfrenta críticamente con la sobreabundancia de información\, de gratuidad irrelevante\, de imágenes desbordantes que campan a sus anchas. En las obras de Juan Sánchez no hay ninguna apuesta más o menos romántica por revisitar el pasado\, por regresar las artes a las artesanías\, ni por impulsar las artesanías a las artes. Su apuesta juega directamente con los materiales\, con las estructuras\, con las herramientas básicas de la construcción más elemental\, -compás\, plomada\, lienzo- y del oficio en algunas de sus acepciones -ocupación habitual\, habilidad lograda en la práctica de una profesión\, hasta aquella relacionadas con lo sagrado-. Oscar Wilde sentencio: No solo en el arte. la forma es el alma. Y es precisamente en esa indisociable naturaleza compleja de la obra de arte donde Juan Sánchez mete el dedo -y la mano entera- en esa llaga que no deja de mostrar que el cuerpo -cualquier cuerpo- no es solo materia\, sino también estructura. textura. color. forma y tiempo». \nJuan Bautista Peiró\nUniversitat Politècnica de València
URL:https://au-agenda.com/evento/estructura-pigmento-aglutinante/
LOCATION:Gabinete de dibujos\, Literat Azorín\, 33\, Valencia\, Valencia\, 46006\, España
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SUMMARY:’aura d’una saga moderna: Ignacio\, José i Marisa Pinazo
DESCRIPTION:València és\, entre 1870 i 1920\, un dels nuclis artístics més prolífics i influents del seu temps. Un elevat nombre de pintors naixen i es formen a la ciutat\, dels quals hui només es recorda una parcel·la reduïda\, els denominats grans mestres de l’escola valenciana\, malgrat que la majoria d’ells residiren fora de la seua ciutat natal. \nD’este amplíssim catàleg de pintors de mitjan segles XIX i XX a penes coneixem les bio-grafies d’uns pocs\, i un dels enigmes és conéixer com aconseguiren sobreviure en un medi tan competitiu i saturat de professionals. L’opció per a una gran majoria fou des-plaçar-se a altres ciutats i països d’Europa i Amèrica principalment. La docència fou un dels camins professionals pels quals optaren molts\, però quan es depenia exclusivament de la comercialització dels treballs en un mercat de l’art tan constret com local\, la vida de gran part d’estos artistes no deixava de ser heroica \nEn un context tan creatiu com el valencià\, diríem que la vocació artística era en alguns casos un component genètic que es transmetia amb facilitat de pares a fills. Tal és el cas dels Pinazo\, que constitueixen un exemple que sens dubte destaca entre les diverses famílies artístiques de la ciutat\, com els Capuz\, els López\, els Benlliure\, els Sorolla o els Manaut Viglietti\, entre altres. \nEn aquest fenomen de transmissió de l’ofici hi ha un component pràctic\, de continuïtat o herència d’una tradició —i també de vocació. La convivència i familiaritat amb la creació artística generen una predisposició que afavoreix la continuïtat de l’ofici\, com exemplifica el cas del clan dels Pinazo que ara es presenta. El gran mestre Ignacio Pinazo i Camarlench (1849-1916) tingué dos fills que es van dedicar dedicaren a l’art\, José i Ignacio Pinazo Martínez\, el primer pintor i el segon escultor\, encara que també practicà la pintura i fou cantant. Tot i que Ignacio Pinazo Martínez és un gran escultor\, s’ha optat ara per mostrar l’obra de Marisa Pinazo Mitjans (1912-1990)\, filla de José Pinazo Martínez (1879-1933)\, ja que és ella qui dona continuïtat a l’art pictòric dins de la tercera generació. \nConfrontar o mostrar seqüencialment l’art de tres generacions obliga a interpretar les relacions existents\, l’evolució gradual de cada un d’elles\, així com unes persistències que lògicament són més accentuades entre pare i fill que entre avi i neboda. Encara que la potent personalitat de l’avi siga objecte de veneració\, l’art de cadascun segueix el seu curs i les creacions dels tres van parlant d’una superació de models i d’evolucions estilístiques que\, en el seu conjunt\, possibiliten realitzar un recorregut suggeridor que ens porta del naturalisme i el modernisme a l’art déco. \nEls estímuls que provoquen els models paterns en les diferents generacions creen unes connexions o nexes que es perceben clarament entre els treballs d’Ignacio Pinazo i les creacions de José Pinazo de la seua fase inicial\, de la mateixa manera que succeeix entre unes certes pintures de Marisa Pinazo i creacions de José Pinazo. Una breu selecció i emparentament d’obres de distint gènere permeten apreciar-ho amb nitidesa.
URL:https://au-agenda.com/evento/aura-duna-saga-moderna-ignacio-jose-i-marisa-pinazo/
LOCATION:IVAM\, / de Guillem de Castro\, 118\, València\, Valencia\, 46003\, España
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SUMMARY:175 anys al cor de València
DESCRIPTION:La exposición 175 anys al cor de València celebra el nacimiento y la evolución de la Escola d’Art i Superior de Disseny de València\, institución clave en la vida cultural de la ciudad. Con más de un centenar de obras\, la muestra recorre 175 años de historia en el mismo edificio donde surgió en 1850 la antigua Escuela de Artes y Oficios (actual Centre del Carme Cultura Contemporània)\, creada para mejorar la artesanía valenciana. \nDurante más de cien años\, la institución formó a miles de estudiantes en artes aplicadas y oficios artísticos\, contribuyendo al desarrollo industrial de la ciudad. Desde los años sesenta del pasado siglo XX incorporó estudios innovadores como diseño de interiores\, diseño gráfico\, moda\, diseño de producto\, fotografía y joyería\, consolidándose como referente en renovación pedagógica e internacionalización. \nLa exposición\, conformada únicamente con trabajos de exalumnado de la EASD\, conecta pasado y futuro\, reivindicando el legado patrimonial y celebrando los retos y oportunidades que afronta la enseñanza del diseño en el siglo XXI.
URL:https://au-agenda.com/evento/175-anys-al-cor-de-valencia/
LOCATION:Centre del Carme\, Museu\, 2\, Valencia\, Valencia\, 46001\, España
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SUMMARY:Pujar la persiana. Sobre la recuperació del comerç local després de la DANA
DESCRIPTION:La Diputació de València ha inaugurat este dimecres en el MuVIM l’exposició ‘Pujar la persiana. Sobre la recuperació del comerç local després de la DANA’\, un projecte impulsat des del servici de Comarcalització i Promoció Econòmica que ha comptat amb la col·laboració d’Unió Gremial i de l’EASD (Escola Superior de Disseny de València)\, els qui han sigut els encarregats del disseny. La mostra\, que podrà visitar-se fins al pròxim 2 de maig\, reunix testimoniatges\, fotografies i una instal·lació artística que recupera la memòria de la reobertura dels xicotets negocis després de la catàstrofe del 29 d’octubre de 2024. \nEl recorregut expositiu s’articula en tres grans seccions que permeten al visitant aproximar-se de manera progressiva a la realitat del comerç després de la DANA. La distribució permet que el públic comprenga l’evolució des de l’impacte de l’aigua fins a la reobertura definitiva. Sobre la proposta formal\, Capó explica que les imatges van impreses en PVC sobre una estructura modular que s’adapta a espais no expositius\, facilitant la seua itinerància pels ajuntaments afectats \nLa primera secció\, denominada ‘L’Aparador’\, presenta una instal·lació de caixes de cartó que funciona com una infografia tridimensional\, representant visualment els nivells aconseguits per l’aigua i el volum de mercaderia perduda\, situant a l’espectador en la magnitud física del desastre. La segona secció\, situada en l’hall del MuVIM\, reunix el gruix del material fotogràfic i documental. Es tracta d’un espai de “desbordament visual” on les imatges dels comerços abans\, durant i després de la recuperació s’organitzen per a mostrar la recuperació.  \nLa tercera secció\, situada al pati anglés\, constituïx el nucli més íntim de la mostra. Allí es projecta una peça audiovisual que arreplega els testimoniatges directes dels i les comerciants\, permetent escoltar les veus d’esperança i l’esforç humà que hi ha darrere de cada persiana alçada. «L’objectiu és posar en valor el comerç local com a eix essencial del nostre món enfront de la fredor de les pantalles; reivindicar gestos quotidians com alçar una persiana o el so d’una campaneta\, fonamentals per a la recuperació d’una societat ferida i la vertebració del territori»\, conclou.
URL:https://au-agenda.com/evento/pujar-la-persiana-sobre-la-recuperacio-del-comerc-local-despres-de-la-dana/
LOCATION:MuVIM\, Quevedo\, 10\, Valencia\, Valencia\, 46001\, España
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SUMMARY:Tàpies. Última década. 2002-2012
DESCRIPTION:La Fundación Bancaja ha presentado esta mañana en su sede de Valencia la exposición Tàpies. Última década. 2002-2012\, una muestra monográfica de uno de los artistas más destacados del siglo XX y considerado uno de los máximos exponentes del informalismo a nivel internacional. La exposición se centra en la producción tardía de Antoni Tàpies\, desde 2002 hasta su muerte en 2012 a los 88 años\, con un conjunto de obras especialmente representativas que condensan su esencia como artista durante un período menos conocido dentro de una dilatada trayectoria artística de seis décadas. El recorrido expositivo revela cómo las ideas y formas que dieron forma a su singular y reconocida personalidad artística siguieron presentes en el trabajo realizado desde la madurez de su octava década de vida con una expresión pictórica que se vuelve más libre\, directa y depurada.  
URL:https://au-agenda.com/evento/tapies-ultima-decada-2002-2012/
LOCATION:Fundación Bancaja\, Plaça de Tetuán\, 23\, Valencia
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SUMMARY:El efecto mariposa
DESCRIPTION:El efecto mariposa explora cómo cada decisión\, gesto o hábito —desde las acciones de grandes corporaciones y líderes mundiales hasta las elecciones cotidianas de los ciudadanos del llamado “mundo rico”— genera consecuencias que se extienden mucho más allá de nuestra percepción inmediata. Cada guerra\, cada proceso de deforestación\, cada forma de explotación o contaminación no solo transforma la vida de los más vulnerables\, sino que también moldea nuestro propio mundo\, en sus dimensiones visibles e invisibles. \nLa exposición invita a observar de frente los mecanismos del capitalismo global: un sistema donde poder\, acumulación e indiferencia se entrelazan produciendo desigualdades profundas y efectos inesperados\, tanto cerca como lejos de nosotros. En el marco de International Women’s Day\, la exposición propone también reflexionar sobre cómo estos sistemas globales afectan de forma desproporcionada a las mujeres y a las comunidades marginadas. A lo largo de las cadenas de producción\, en zonas de conflicto o en territorios especialmente vulnerables a la crisis climática\, son con frecuencia las mujeres quienes soportan las consecuencias más duras de la desigualdad mientras sostienen familias\, comunidades y movimientos de resistencia. \nReconocer ese trabajo —visible e invisible— resulta esencial para comprender el verdadero alcance del “efecto mariposa” dentro del capitalismo contemporáneo. La muestra plantea así que la injusticia de género no es un efecto colateral\, sino una dimensión estructural de estos sistemas: se manifiesta en la precariedad económica\, el trabajo de cuidados no remunerado\, las brechas salariales y las limitaciones en el acceso a recursos y espacios de decisión. Sin embargo\, el proyecto no se limita a la crítica. La exposición propone un espacio de reflexión consciente donde el espectador puede reconocer cómo incluso sus actos más cotidianos forman parte de esta red global de relaciones y consecuencias. En ese sentido\, cada gesto puede convertirse también en una herramienta de transformación. \nA través de un lenguaje visual intenso y simbólico\, Silvia Viana muestra que el cambio no depende únicamente de los grandes acontecimientos históricos\, sino también de la conciencia sobre nuestra propia vida y nuestras decisiones. El “efecto mariposa estructural del capitalismo” revela que cada acción cuenta y que nuestra libertad está inevitablemente entrelazada con la de los demás. La exposición se presenta así como una invitación a la comprensión crítica\, la responsabilidad ética y la solidaridad colectiva: un primer paso hacia un mundo más justo\, consciente e inclusivo.
URL:https://au-agenda.com/evento/el-efecto-mariposa/
LOCATION:The Grapa\, Puerto Rico\, 40\, Bajo Izq\, València\, València\, 46006\, España
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SUMMARY:VerdeVerdad
DESCRIPTION:La naturaleza\, dejó dicho Cicerón\, “ha puesto en nuestras mentes un insaciable deseo de ver la verdad”. Ver la verdad que\, en la exposición que nos ocupa\, bien pudiera ser ‘VerdeVerdad’. O sea\, ver de verdad a través del verde que viene a atravesar el conjunto expositivo. Pero ¿de qué verdad estaríamos hablando\, sintetizada en ese color verde asociado a naturaleza tan deseada? \nCaben dos acercamientos: el de la verdad de una naturaleza que colma nuestros sentidos y\, por tanto\, nos calma al lograr\, bajo el influjo que provoca la fusión imaginaria con tan embriagador entorno\, un absoluto de placer. O bien el de la verdad ahora vinculada con sus efectos más desasosegantes\, al sentir la devastación a que puede dar lugar dicha naturaleza cuando se inscribe en su interior cierto desbocamiento. \nVerdad\, pues\, imaginaria –fruto del anhelo de totalidad– e inquietante –fruto de la desazón que provoca su faz más siniestra–. Una verdad dual que exploran los cinco artistas convocados en la exposición ‘VerdeVerdad’\, comisariada por MAKMA\, revista de artes visuales y cultura contemporánea\, que acoge las Atarazanas del Grao del Ayuntamiento de València hasta el 28 de junio y cuya inauguración se celebrará el martes 10 de marzo\, a las 19:00. Lo hacen mediante una serie de obras que\, en sí mismas\, ya contienen esa verdad dual de la naturaleza que\, al mismo tiempo\, nos atrae y nos genera zozobra.
URL:https://au-agenda.com/evento/verdeverdad/
LOCATION:Atarazanas\, Pl. Juan Antonio Benlliure\, s/n\, Valencia\, Valencia\, 46011\, España
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SUMMARY:Girar com planetes que roten en el seu prat nocturn. Espais d’afectivitat entre dones
DESCRIPTION:Girar com planetes que roten en el seu prat nocturn. Espais d’afectivitat entre dones és una proposta col·lectiva que explora els vincles afectius entre dones a través de l’art contemporani. La mostra reuneix obres de 19 artistes i proposa un recorregut per diferents llenguatges artístics -fotografia\, pintura\, instal·lació\, audiovisual\, escultura\, ceràmica i tèxtil-\, per a abordar temes com el desig\, l’amistat\, la complicitat\, les genealogies afectives o les formes de cura compartida. El projecte s’endinsa en els afectes i desafectes entre dones a partir de pràctiques artístiques contemporànies que dialoguen amb l’experiència\, la memòria i les genealogies emocionals. La mostra s’articula al voltant de diversos marcs de ressonància -com In illo tempore (en un altre temps)\, el contínuum lesbià\, la invisibilitat o la diferència específica-\, que funcionen com a camps oberts on s’entrecreuen relats\, temps i cossos. Les obres presents exploren territoris sensibles i experiencials on conviuen el vulnerable i el poderós. A través d’imatges\, objectes i materials diversos\, les propostes construeixen un paisatge d’afectivitats que desafia els discursos heteronormatius i recupera històries\, vincles i relats que han quedat fora de la narrativa històrica dominant. \nLa mostra dona veu a una sèrie d’artistes: Nucbeade\, Marta Galindo\, O.R.G.I.A\, Yera Moreno\, Hanna Jarzabek\, Andrea Rodríguez\, Núria Martínez Seguer\, Olalla Gómez Valdericeda\, Mercedes Azpilicueta\, Isabel Martín i Paula Yubero\, Laia Arqueros\, Isabel Cordovil\, BajoRufián i Sara Mono\, les obres de les quals configuren aquesta constel·lació de mirades i pràctiques.
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LOCATION:La Nau\, Universitat\, 2\, Valencia\, Valencia\, 46002\, España
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SUMMARY:L’or roig. La ruta del safrà
DESCRIPTION:Més enllà del seu paper com a condiment\, el safrà era valorat per la seua fragància\, el seupoder tintori i les seues virtuts terapèutiques. A diferència del comerç d’espècies com el pebre o la canyella\, provinents de regions llunyanes com l’Índia o Indonèsia que arribaven a Europa a través de la Ruta de la Seda\, el safrà espanyol va realitzar durant els segles XIX i XX un trajecte invers\, d’Occident a Orient. En este cas partint de localitats com Novelda\, que es vanconvertir en el centre comercialitzador d’un producte cultivat en zones de Castella-la Manxa\, per a exportar el safrà a l’Índia\, la Xina\, Filipines\, el Japó o Amèrica. \nA València també es va cultivar i comercialitzar l’or roig\, com testifica l’existència d’una llotja del safrà a la ciutat\, encara que l’activitat va decaure amb el pas dels anys. En l’actualitat\, Novelda continua conservant empreses dedicades a comercialitzar esta espècia en més de mig món\, com es mostra en l’exposició a través de documents i fotografies. \nLa mostra exhibix també diversos objectes relacionats amb el comerç del safrà\, però sobretotuna gran quantitat de caixes i contenidors necessaris per a portar el producte a diferents partsdel món. Estes caixes van ser produïdes pels mercaders de Novelda\, que van usar motius i decoracions adaptades als països de destinació per a una millor comercialització. \nLa llanda i la iconografia hindú \nA través de la col·lecció de caixes de safrà de David Beltrá Torregrosa s’observa l’evolució de les llandes\, les decoracions i els motius adaptats a les modes del seu temps. Resulta especialment significativa la iconografia hindú que posa de manifest l’enginy delscomercialitzadors. Alguns d’estos motius són espirituals i religiosos\, ja que en països coml’Índia el safrà era usat en l’àmbit espiritual i en les cerimònies religioses. \nL’exposició dedica un apartat a l’evolució dels dissenys dirigits a fer més atractius els productesi construir marques sòlides. Des dels fràgils i efímers embolcalls de paper d’una sola dosi finsals elegants estotjos litografiats. No són estos els únics aspectes tractats en una mostra que aborda temes com el paper de la dona en la producció del safrà\, l’entramat industrial que partixde terres alacantines\, amb epicentre a Novelda\, i la llotja de safrà de València impulsada pelcomerciant Dámaso Alcaraz. \nEn estes seccions es presenta el laboriós treball de les dones manxegues\, amb denominaciód’origen pròpia\, el procés de recol·lecta\, torrat i preparació per a la comercialització de l’espècia\, i la visió de comerciants de Novelda com José Cantó i el seu nebot José Verdú\, Manuel Alberola\, Arturo Gómez Tejedor i els germans Juan i José Sellés.
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LOCATION:L’Etno\, Corona\, 36\, Valencia\, Valencia\, 46003\, España
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SUMMARY:Mentre passa la festa
DESCRIPTION:Mentre passa la festa es la exposición fotográfica de Javier Hortelano que puede verse hasta el mes de abril en Fnac San Agustín. Se trata de una recopilación de instantáneas tomadas a pie de calle que se mueven entre el fotoperiodismo y el reportaje social y donde\, aunque pueda parecerlo\, las fallas no son las protagonistas.\nLa muestra propone un recorrido visual por ese territorio frágil y silencioso donde la fiesta se suspende por un instante. Lejos del estruendo oficial\, de los monumentos que buscan su clímax en las llamas o de la estética espectacular que suele definir la celebración\, Hortelano dirige la cámara hacia aquello que ocurre cuando nadie parece estar mirando.\nSus imágenes revelan la trastienda de la tradición: falleras que se protegen del sol o la lluvia\, descansos improvisados donde asoma el cansancio\, silencios que preceden al desfile\, músicos que afinan a pie de calle\, vecinos que observan desde los balcones como si asistieran a una ceremonia íntima.\nSon escenas aparentemente menores\, casi furtivas\, pero ahí es donde emerge la humanidad que sostiene la fiesta. Cada fotografía capta ese tiempo intermedio en el que la celebración respira y se reorganiza. No busca la postal ni el brillo\, sino el gesto mínimo\, la mirada perdida\, la pausa que revela la dimensión íntima de un ritual colectivo. En ese espacio entre lo que sucede y lo que está a punto de suceder se perfila una coreografía invisible\, tejida por quienes viven las Fallas desde dentro.\nEn este trabajo\, la fiesta aparece como un organismo vivo\, hecho de cuerpos que esperan\, de rutinas repetidas\, de vínculos que se reafirman en cada acto cotidiano. Hortelano propone así una mirada que desplaza el foco de lo espectacular a lo esencial: aquello que suele pasar desapercibido\, pero que da forma y sentido a la celebración. La exposición invita a detenerse y observar la identidad\, la memoria y la comunidad que laten en los márgenes del acontecimiento.
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LOCATION:Fnac\, Valencia\, Valencia\, España
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SUMMARY:Même la mère
DESCRIPTION:Même la mère\, l’exposició artística que acull la Galeria del Tossal\, és el resultat de la cooperació entre el consistori valencià i la ciutat francesa d’Angers. La mostra\, obra de l’artista angeví Choun Vilayleck\, “marca una nova fita en l’intercanvi artístic entre les dos ciutats europees”. Format a l’Escola de Belles Arts d’Angers\, Choun Vilayleck ha basat la seua obra en el volum i el dibuix. Ha elaborat cada escultura a partir d’estructures metàl·liques que ell modela. Les peces projecten la seua ombra sobre la muralla islàmica\, “en una sort de dansa que evoca el moviment de la mar”. En este sentit\, l’artista fa un joc de paraules en el títol entre mar (mer) i mare (mère) com a element generador de vida. \nL’exposició es troba en la Galeria del Tossal\, un espai museístic de l’Ajuntament de València ubicat en la cèntrica plaça del Tossal. La mostra estarà oberta al públic fins al 3 de maig. L’horari de visites de dimarts a dissabte és de les 16 a les 19 hores. Els diumenges és de 10 a 14 hores.
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LOCATION:Gal. del Tossal\, Pl. Tossal\, s/n\, Valencia\, Valencia\, 46001\, España
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SUMMARY:"Regreso al jardín" de Carmen García Gordillo
DESCRIPTION:La Galería Alba Cabrera presenta el jueves 26 de marzo a partir de las 19h «Retorno al Jardín» de la artista valenciana Carmen García Gordillo. En su obra\, siempre figurativa\, la mujer supone el personaje principal\, enmarcada dentro de paisajes exóticos y mundos oníricos. Con esta exposición cargada de simbología única\, la artista ha querido realizar una “vuelta al jardín como Edén”\, trabajando sobre ese lugar que le proporcionan vergeles tales como la Arcadia. En definitiva\, una vuelta a los paraísos perdidos después del exhausto recorrido vital que supone la propia existencia.
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LOCATION:Galería Alba Cabrera\, Joaquin costa 4\, bajo izquierda\, VALENCIA\, 46005\, España
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SUMMARY:Trozos y trazos. Quique Castellano
DESCRIPTION:Un nuevo montaje expositivo del artista valenciano Quique Castellano\, que podrá visitarse en la Sala de Exposiciones del centro hasta el 8 de mayo. La muestra propone un recorrido singular y poco convencional dentro del panorama plástico valenciano. En ella conviven pintura\, collage\, objeto y experimentación\, en un equilibrio tan personal como honesto que define el lenguaje creativo del artista. \nQuique Castellano es un creador multidisciplinar y emprendedor cultural\, con una trayectoria vinculada no solo al ámbito artístico\, sino también a la comunicación\, la moda y la promoción de nuevos talentos. A lo largo de su carrera ha impulsado proyectos innovadores y mantiene un firme compromiso con la difusión del arte y la creatividad en la sociedad valenciana. \nTrozos y trazos refleja con claridad esa libertad creativa. La exposición reúne paisajes\, bodegones y objetos volumétricos en los que se evidencia la omnipresencia del collage\, la integración de tejidos y estampaciones\, así como el uso de transparencias\, veladuras y tules\, elementos que conforman un lenguaje plástico rico\, intuitivo y profundamente personal. \nSe trata de una muestra íntima\, construida con pasión y entrega\, que refleja la diversidad de intereses del artista y su constante exploración de materiales y formas. El público general está invitado a asistir a la inauguración el próximo 26 de marzo a las 19:00 horas\, con entrada gratuita mediante descarga de invitación en la web de La Rambleta. \nLa exposición invita al público a recorrer la Sala de Exposiciones de Rambleta como observadores privilegiados\, sumergiéndose en el imaginario creativo de Quique Castellano.
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LOCATION:La Rambleta\, Bulevard Sud\, cantó Pius IX\, Valencia\, Valencia\, 46017\, España
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SUMMARY:Orlando Furioso. Escenas valencianas
DESCRIPTION:El MuVIM oferix des de hui i fins al pròxim 17 de maig un recorregut pels passatges de l’obra de Ludovico Ariosto\, Orlando furiós. Així\, a través del pinzell d’Adrián Alva\, la Sala Alta del museu de la Diputació proposa un viatge on la literatura universal i la història local es funden en una acurada interpretació plàstica d’este text que va tindre un impacte profund en la literatura renaixentista i en la cultura occidental. La nova proposta\, formada per una selecció de deu il·lustracions de l’artista\, oferix una meditació sobre l’honor\, el desig i la identitat que ens mostrarà els carrers d’una ciutat que va ser el centre neuràlgic del Mediterrani. El treball d’Alva també plasma la transformació d’Orlando\, el noble cavaller que perd la raó per l’amor d’Angélica\, i les històries de guerreres com Bradamante\, així com alguns mites. \nAdrián Alva s’inscriu en una tradició il·lustrativa que entén l’ús d’estils històrics passats no com a error anacrònic\, sinó com a mètode crític. En la seua interpretació plàstica del cant XXVIII d’Orlando furiós\, l’erudició iconogràfica es transforma en un dispositiu sofisticat on modernisme\, secessió vienesa i estampa japonesa no són meres cites d’estil\, sinó la gramàtica profunda des de la qual reescriu este episodi històricament poc o gens il·lustrat en el passat. En el seu plantejament hi ha la mateixa voluntat de convertir la superfície en un camp de forces decoratives\, on la línia\, el patró i el ritme dels motius tenen tant pes narratiu com l’acció representada. Cal assenyalar que l’estampa japonesa funciona ací com un tercer pilar\, no sols per la representació plana o el gust per la silueta retallada\, sinó per la idea que cada element del quadre –un animal\, una planta\, un objecte aparentment marginal– aporta una càrrega poètica autònoma. I com a resultat\, cada imatge es pot llegir tant en conjunt com detalladament.
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LOCATION:MuVIM\, Quevedo\, 10\, Valencia\, Valencia\, 46001\, España
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SUMMARY:Secreto Maravilla
DESCRIPTION:Una muestra colectiva donde participan Diego Kohli (Madrid\, 1991)\, Javier Palacios (Jerez\, 1995)\, Lucía Cassiraga (Valencia\, 1999)\, Rafael Chacón (Sevilla\, 1965). Secreto Maravilla es un pequeño ensayo que aborda la posibilidad de cómo el arte contemporáneo presenta variaciones que podrían resultar claves para entender un cambio en el paradigma: mientras la parte más clásica oscila entre la figuración académica y la abstracción “zombi”\, y la parte más radical —diríamos— continua estirando los valores materiales y la hibridación extrema de géneros\, es posible observar tranquilamente como en los últimos cuatro o cinco años se ha ido superando el imaginario post-Internet plagado de recursos de videojuego\, errores digitales\, pantallas\, extensión de filtros\, efecto airbrush…\, para dar paso a una manera diferente de mirar el mundo que atiende a otros paisajes mentales. \nDe hecho\, es fácil rastrear en el panorama cómo muchos artistas —también los cuatro convocados aquí— trabajan sobre la necesidad de revelar el mundo y asomarse a él desde el mirador de lo onírico\, que no de lo realista\, de lo expresivo\, que no expresionista\, de lo surreal incluso —cuando ya se ha cumplido un siglo del Primer manifiesto surrealista—\, esgrimiendo imágenes inquietantes que\, con una técnica minuciosa\, nos abocan a lo extraño\, al sueño recurrente\, quizás a lo alucinado del detalle\, siempre desde una figuración sensible que maneja todo tipo de referencias a nivel formal o de contenido y que a su modo defiende un sentido visionario que se enfrenta o corrige la apabullante realidad de los medios. Por eso son tan dispares\, tan distantes y diferentes\, pero tan atractivas. \nHay una emoción que apunta al secreto. Hay una maravilla que se despliega en las formas. El trabajo de estos cuatro artistas es esa visión extrañada sobre la realidad que mira hacia el otro lado para revelar\, si acaso\, los misterios de este lado. Hay que pensar que esa es una de las labores del arte si no la más importante.” \nRicardo Forriols\nUniversitat Politècnica de València
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LOCATION:Set Espai d’Art\, Miracle del Mocadoret\, 4\, Valencia\, Valencia\, 46001\, España
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SUMMARY:La dona en l’obra de Julio González
DESCRIPTION:El tema de la dona domina completament l’obra de Julio González. Esta selecció sense precedents de la col·lecció de l’IVAM sobre el tema ho confirma. Retrats familiars o de dones de la vida moderna\, nus acadèmics o abstractes\, figures reals o idealitzades\, al·legories històriques i polítiques: tots formen part de l’evolució estilística de les formes plenes a les buides\, de la figuració a l’abstracció. Les seues escultures també estan carregades de significat. Reflectixen l’emancipació de les dones contemporànies\, el trànsit de l’esfera privada a la pública\, del silenci a la paraula. \nEsta presentació cronològica i temàtica de la col·lecció subratlla les grans etapes de la seva evolució enllaçant vida i creació\, intimitat i història: els primers models professionals\, els retrats de l’entorn familiar\, la dona camperola i la dona urbana\, les maternitats i les lectores\, les figures reals i els tipus idealitzats\, les figures dempeus gairebé abstractes com les al·legories polítiques. \nTambé és notable el seu entorn familiar i la seua influència sobre la seua escultura\, relacionada amb el taller d’orfebreria de les seues ties i de la seva dona\, així com a la producció dels seus propis objectes decoratius\, lligats en els anys 20 i 30 a l’adorn d’un nou cos femení. \nRendir un homenatge a l’obra de Julio González és recordar les tres dones fortes que van ser fidels a la seva memòria. La seua filla\, l’artista abstracta Roberta González l’obra de la qual està encara per estudiar fora de la influència del seu pare i les generoses hereves d’aquesta\, Carmen Martínez i Viviane Grimminger que van ampliar amb les seues donacions els fons de l’IVAM.
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LOCATION:IVAM\, / de Guillem de Castro\, 118\, València\, Valencia\, 46003\, España
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SUMMARY:6.ª Feria de Artesanía de Primavera
DESCRIPTION:La Asociación de Artesanos Valencianos (ARTEVAL)\, en colaboración con la Conselleria de Industria\, Turismo\, Innovación y Comercio y el Excelentísimo Ayuntamiento de Valencia\, organiza la 6.ª edición de la Feria de Artesanía de Primavera en la emblemática Plaza de la Reina. Este evento\, que se ha consolidado como un referente cultural y patrimonial\, abrirá sus puertas del 27 de marzo al 12 de abril de 2026\, con horario de 10:30 a 14:00 horas y de 16:30 a 21:00 horas. \nLa feria contará con 33 stands de artesanos acreditados con el Carné de Calificación Artesana (DCA)\, un stand de obra única a concurso y una zona de información para el público\, diseñada por Portega Estudio Creativo. Los visitantes podrán descubrir una amplia variedad de oficios: marroquinería\, encuadernación\, joyería\, abaniquería\, textil\, cerámica\, talla en madera\, modelado\, vidrio y dulces tradicionales artesanos\, entre otros. Cada pieza refleja la fusión de tradición\, innovación y creatividad contemporánea. \nEl Centro de Artesanía de la Comunidad Valenciana ofrecerá talleres demostrativos y participativos gratuitos en el espacio habilitado\, de 10:30 a 14:00 y de 16:30 a 20:00 horas\, donde el público podrá observar de cerca los procesos artesanales y conocer las técnicas de los distintos oficios. Estas actividades buscan acercar a la ciudadanía al valor del saber hacer artesanal\, promoviendo el reconocimiento del oficio y la calidad del trabajo artesanal valenciano.
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LOCATION:Pl. Reina\, Pl. Reina\, Valencia
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